Claes Oldenburg, el principal escultor de arte pop que convirtió hamburguesas y gomas de borrar en caprichosos tótems del siglo XX, falleció a los 93 años
Las monumentales y divertidas esculturas al aire libre de Oldenburg se pueden ver en todo el mundo.
El artista pop Claes Oldenburg, conocido en todo el mundo por sus caprichosas esculturas públicas que representan objetos cotidianos (una pinza para la ropa, una cuchara con una cereza e incluso un inodoro), murió a los 93 años.
“Estoy profundamente entristecido por la pérdida de Claes Oldenburg, un gran artista y también un buen amigo”, dijo su galerista Paula Cooper a db "Fue emocionante trabajar con Claes, cuya extraña visión de las cosas era encantadora y podía cambiar completamente el estado de ánimo de uno".
Cuando Cooper conoció a Oldenburg, a mediados de la década de 1960, "ya era una fuerza notablemente fuerte entre sus compañeros", dijo. "El trabajo inicial sorprendentemente original fue muy influyente en muchos artistas que fueron informados por su libertad de pensamiento y modo radical de expresión".
Oldenburg también había trabajado con la mega galería Pace desde 1960. En un comunicado, el fundador de Pace, Arne Glimcher, dijo que estaba “honrado de tener esta gran amistad con uno de los artistas más radicales del siglo XX. Además de su papel inextricable en el desarrollo del arte pop, cambió la naturaleza misma de la escultura de dura a blanda, y su influencia se puede ver hasta el día de hoy”.
Oldenburg trabajó con frecuencia con su esposa, Coosje van Bruggen, quien murió en 2009, para producir esculturas monumentales, que ahora se exhiben de manera destacada en museos y jardines públicos de todo el mundo. Cuando comenzó su colaboración con van Bruggen, “el trabajo se volvió más grandioso y audaz”, según Cooper.
El Museo de Arte Moderno realizó una segunda retrospectiva del trabajo de Oldenburg en 2013, mientras que el Whitney realizó una en 2009, consolidando el estatus del artista como un peso pesado del pop art junto a Robert Indiana, Roy Lichtenstein y Andy Warhol.
Oldenburg nació en 1929 en Estocolmo. Pasó gran parte de su infancia viviendo entre los EE. UU., Suecia y Noruega debido al trabajo de su padre como diplomático sueco. Oldenburg estudió en la Universidad de Yale, donde se centró en la escritura antes de asistir a la Escuela del Instituto de Arte de Chicago.
En 1956 se mudó a Nueva York, donde quedó fascinado con la estética de las calles de la ciudad: escaparates, grafitis, anuncios y basura. Unos años más tarde, abrió su programa "The Store", una tienda tipo bodega en pleno funcionamiento en el Lower East Side de Manhattan, donde vendía helados, naranjas, cigarrillos, sombreros y zapatos, todo moldeado en yeso.
Una de las obras de ese programa, Yellow Girl's Dress, se vendió por 1,7 millones de dólares en Sotheby's Nueva York en 2008. Al notar la rareza de una obra de "The Store" en el mercado, el ex especialista contemporáneo de Sotheby's, Anthony Grant, le dijo previamente a Artnet News que Claes “fue realmente el escultor de ese movimiento pop de primera generación”.
El precio más alto hasta la fecha por una obra de Oldenburg en una subasta es de 3,6 millones de dólares, alcanzado en Christie's Nueva York en 2015 por Clothespin Ten Foot (1974).
En comparación con los elevados precios alcanzados hasta la fecha por muchos de sus colegas artistas pop, el mercado de Oldenburg puede parecer relativamente modesto. Los observadores dicen que esto se debe a la escasez de material preparatorio como dibujos y maquetas en el mercado, así como al desafío de poseer y mantener grandes esculturas al aire libre.
Como resultado, muchas de sus obras son coleccionadas por instituciones. Spoonbridge and Cherry (1985), por ejemplo, una enorme escultura de una cuchara con una cereza en la parte superior que se inclina hacia un lago, es una de sus obras más queridas y de van Bruggen y se exhibe a largo plazo en el Walker Art Center en Minneapolis. , que lo posee.
La primavera pasada, se presentó una enorme paleta de jardín en el Rockefeller Center, lo que marcó la primera instalación pública de Oldenburg y Van Bruggen en la ciudad de Nueva York en más de 20 años.
Como informó Artnet News en marzo pasado, la “herramienta de jardinería cómicamente sobredimensionada, una pala de 2,300 libras hecha de aluminio, plástico reforzado con fibra y acero, mide más de 23 pies de altura y puede soportar vientos de más de 120 millas por hora. hora."
En 2002, una versión roja de la obra estuvo a la vista como parte de la exposición del Museo Metropolitano de Arte "Oldenburg y Van Bruggen en el techo". Se exhibió junto con Architect's Handkerchief (1999), Corridor Pin, Blue (1999) y Shuttlecock/Blueberry Pies I y II (1999). En ese momento, Plantoir se instaló en lo alto del edificio del museo con el telón de fondo de Central Park.
Oldenburg expuso por primera vez en una colectiva en 1953 en Chicago. Hasta que pudo empezar a vivir de su obra se ganaba la vida en el departamento de música de una librería y como ilustrador para una revista, informa el Museo Guggenheim Bilbao sobre este escultor, al que dedicó una retrospectiva en 2012 con unas 300 piezas. “El artista es una máquina, pero una máquina humana, hipersensible, su oficio es el equilibrio y lucha con su ambiente afirmando aquello que falta”, proclamó sobre su carrera.
Aunque sin llegar al extremo de la lata de sopa Campbell’s inmortalizada por su colega Andy Warhol, los objetos que insuflaron la obra de Oldenburg dieron una dimensión cotidiana a la escultura pop de la segunda mitad del siglo XX. Se dio a conocer en 1961, con la instalación The Store (La tienda), que pudo visitarse durante dos meses en un establecimiento de Manhattan. En ese local amontonó vestidos, camisas, zapatos, sillas, cuchillos, tartas, pero realizados con alambres, papeles de periódicos, escayola y pintura. Una propuesta que se convirtió en un lugar de moda para comisarios, coleccionistas y artistas. Poco después, en 1962, presentó una de sus piezas más célebres, Dos hamburguesas con queso, con todo, una escultura que representaba el epítome de la comida basura.
En 1964 fue seleccionado para la colectiva que representó a Estados Unidos en la Bienal de Venecia y al año siguiente empezó a crear sus primeras propuestas de monumentos urbanos de gran tamaño, siempre con ironía, humor y el colorismo del pop, en parques y jardines de ciudades. Oldenburg desplegó en esos lugares objetos a gran escala, como cucharas, peines, helados, sellos de goma, billetes... “Supongo que hay cierta ironía en mi trabajo, es además la forma en que yo miro al mundo. Soy serio, pero me doy cuenta de que el mundo es divertido y me sería difícil vivir sin ver ese lado de las cosas, sus contradicciones”, afirmaba sobre su manera de concebir el arte.
En 1966 presentó por fin su primera gran exposición individual en el Moderna Museet, de Estocolmo. A partir de ahí se convierte en un artista reconocido, del que en 1977 el Pompidou muestra otro registro, con una recopilación de sus bocetos, estudios y dibujos. Sobre esos trabajos, declaraba entonces: “El dibujo me ha servido como campo de batalla para el estilo”.
A mediados de los setenta empezó a colaborar con la historiadora del arte, escultora y crítica belga Coosje van Bruggen, su futura pareja, en proyectos a gran escala para espacios públicos. Como ejemplo, en Madrid instaló en 1986 en el Palacio de Cristal del Retiro una gran navaja de 12 metros de largo que también representaba un barco, una obra que había presentado previamente en Venecia. “Sólo me interesaba exponer esta embarcación, que es también una escultura, en un lugar interesante en sí mismo”, declaró entonces sobre la presencia de esta pieza en el parque madrileño.
Sin embargo, algunas de sus propuestas quedaron en proyecto, puede que por demasiado radicales: así sucedió con su intento de colocar en Washington un par de tijeras gigantes. El propio Oldenburg explicó en qué basaba la idea: los dedales para asir el útil estarían enterrados en profundos canales, y las dos hojas, expuestas, se abrirían y cerrarían en el transcurso del día. “Como las tijeras, EE UU está atornillado”, escribió en 1973, en el catálogo de una exposición en Chicago. “Son dos partes violentas destinadas en su arco a encontrarse como una sola”.
En 1995, el Guggenheim neoyorquino le brindó una gran retrospectiva, con unos 200 objetos, entre los que destacaba una pluma de bádminton de unos 15 metros de alto que se desplegaba por el hueco de la escalera en espiral que diseñó Frank Lloyd Wright. Otras significativas exposiciones llegaron en 2001, en el Museo Serralves de Oporto, y en 2006 en Turín. Al año siguiente, entre numerosos encargos y el reconocimiento internacional, la pareja de artistas recaló en la Fundación Miró, en Barcelona, con 200 obras. Sobre esa forma de trabajar, Van Bruggen decía que se trataba de “un diálogo que avanza como un partido de pimpón, adelante y atrás hacia la cristalización definitiva, primero en un esbozo, luego en un estudio, un modelo tridimensional o una configuración dinámica por ordenador, siguiendo un método que privilegia las sensaciones al análisis, a diferencia del planteamiento totalmente racional de la realización práctica”. En 2013, el MoMA le dedicó su gran exposición de verano.
Oldenburg es considerado como el creador de una obra pública sin parangón: mucho más allá de producir objetos para galerías y museos, y eventualmente para subastas y colecciones, el artista diseminó su creación en espacios de grandes ciudades, como una peculiar vegetación artística salida de las raíces del asfalto. Hoy pueden verse obras suyas, además de en Nueva York y Chicago, en Las Vegas, Kassel, Roterdam, París, Berlín, Milán, Barcelona... Una huella como artista con forma de gran cucurucho de helado, hamburguesas gigantes o un enorme teléfono, las conocidas como sus esculturas blandas, una visión con humor y color de lo más cotidiano y una reflexión sobre nuestra relación con esos objetos.
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2022