Entrevista: Arq. Tim Alatorre

February 27, 2022 in Estación Espacial

Entrevista al Arq. Tim Alatorre, Diseñador Senior de la Estación Espacial Von Braun

d.b: ¿Cuáles son los principios básicos detrás del diseño de la estación espacial Von Braun?

Tim Alatorre: Como especie, hemos tenido una presencia transitoria y limitada en el espacio por parte de un pequeño número de especialistas durante más de 58 años. Queremos cambiar eso y abrir el espacio a cualquiera que desee trabajar o vivir en el espacio. En el centro de este proyecto está el objetivo de formar una industria de la construcción espacial para acelerar la habitación permanente del espacio y en todo el sistema solar. Con ese fin, el equipo detrás de The Gateway Foundation primero incorporó una empresa de construcción espacial llamada Orbital Assembly.

El principal objetivo de la Estación Von Braun es ser la primera estación espacial en tener gravedad artificial. La reciente estadía de un año del astronauta Scott Kelly en la Estación Espacial Internacional dejó en claro que la habitación a largo plazo del espacio en microgravedad no es sostenible. El sueño de la Fundación Gateway es crear una cultura de naves estelares, donde haya una comunidad permanente de personas que viajen por el espacio y que vivan y trabajen en la órbita de la Tierra y más allá.

La estación está diseñada para abordar los desafíos médicos de la microgravedad al simular la gravedad lunar y brindar todas las comodidades de la vida, incluidas áreas recreativas, restaurantes, bares y procesamiento de agua, aire y desechos.

d.b: ¿Cuál es la principal inspiración para su estación espacial?

Tim Alatorre: La principal inspiración para el diseño de la estación espacial son los conceptos de estación desarrollados por Wernher von Braun en la década de 1950. Imaginó una rueda giratoria con un diámetro de 76 metros con tres cubiertas y girando a tres rpm y una tripulación de 80.

La Fundación Gateway sometió el nombre de la estación a la votación de sus miembros a principios de este año y fue abrumadoramente votada para llevar el nombre de Von Braun. Nuestra estación también tiene tres cubiertas, pero un diámetro de 190 metros, lo que permite una velocidad de rotación más lenta que, según las investigaciones, es importante para la comodidad humana. También se planea que nuestra nueva estación tenga una población total de 350 a 450 personas, incluidos más de 100 tripulantes.

d.b: ¿Cómo se basa el diseño en el diseño de la ISS?

Tim Alatorre: Nada de lo que proponemos sería posible sin el desarrollo y la investigación realizados para la ISS. Estamos utilizando la tecnología actual en todos los subsistemas para minimizar los impactos tanto en el costo como en el cronograma de desarrollo.

La tecnología de blindaje, los diseños de módulos, los sistemas de gestión de energía, los sistemas de procesamiento de agua y aire, así como la arquitectura general están fuertemente influenciados por la ISS.

d.b: ¿Cuáles son las principales diferencias?

Tim Alatorre: Una gran diferencia entre la estación Von Braun y la ISS es la forma en que se construirá. La ISS se montó en órbita utilizando el trabajo manual de los astronautas que realizaban arriesgados paseos espaciales extravehiculares. Aunque algunos componentes grandes de la Estación Von Braun, como los módulos habitacionales, se fabricarán en la Tierra, la estructura principal se fabricará principalmente en el espacio mediante sistemas automatizados y semiautónomos.

Los materiales se enviarán a la órbita en componentes mucho más pequeños y luego se colocarán, soldarán y ensamblarán utilizando drones, robots, cápsulas para una sola persona y una máquina de construcción espacial desarrollada por Orbital Construction llamada GSAL. Esta es en realidad la parte más importante, porque aprenderemos cómo construir estructuras masivas en el espacio a partir de lo que aprendemos sobre la construcción de la estación Von Braun.

d.b: ¿Cómo combina su estación espacial funciones científicas y hoteleras?

Tim Alatorre: La estación Von Braun está diseñada con 24 módulos, cada uno con hasta 500 metros cuadrados de superficie. Cada uno de estos módulos tendrá una función dedicada diferente.

Varios están dedicados a áreas comunes como bares, restaurantes, áreas de recreación y sistemas mecánicos. Algunos módulos serán para funciones de hotel y residencias privadas. Otros módulos se venderán o alquilarán a gobiernos y organismos científicos para investigación y desarrollo.

Debido a que cada módulo es independiente, la estación funciona como una pequeña comunidad o parque empresarial, aprovechando los recursos comunes y manteniendo la privacidad y la seguridad. Nunca ha habido una instalación de investigación de baja gravedad en el espacio, por lo que creemos que el componente de investigación es fundamental. Del mismo modo, permitir un verdadero turismo espacial hará que la estación sea financieramente autosuficiente e impulsará la innovación y las políticas públicas de formas nunca antes vistas. Tanto la investigación como el turismo son clave para hacer realidad la habitación del espacio a largo plazo.

d.b: ¿Cómo pretende crear una atmósfera hogareña en el hotel de la estación espacial?

Tim Alatorre: En la película 2001: Una odisea del espacio, la Estación Espacial 5 de Stanley Kubrick es un hotel estéril, blanco, parecido a un museo. Si bien generaba una sensación claramente futurista en la película, en realidad, no era un espacio muy atractivo. Como humanos, nos conectamos de forma innata con los materiales y colores naturales.

Los avances en la ciencia de los materiales ahora permiten sustituir la piedra y la madera por materiales naturales livianos y fáciles de limpiar que normalmente no serían factibles de poner en órbita. El uso de tejidos, iluminación y pinturas de colores cálidos y materiales con textura, nos ayudan a conectarnos y sentirnos como en casa. Debido a que la estación tendrá gravedad, habrá un sentido de dirección y orientación que no está presente en la ISS. Señales adicionales usando iluminación y materiales ayudarán a "conectar a tierra" a los ocupantes.

d.b: ¿A qué dedica la gente su tiempo en el hotel?

Tim Alatorre: La mayor parte de la estación inicialmente tendrá aproximadamente una sexta parte de la gravedad de la Tierra y otras partes tendrán una gravedad cercana a cero. Las oportunidades de lo que se puede hacer en la estación son realmente emocionantes. Hemos pensado en varias cosas, pero estamos seguros de que se desarrollarán nuevos deportes, productos y empresas para permitir cosas con las que no hemos soñado.

Algunas de las actividades planificadas son jugar en el centro de gravedad cero, baloncesto de baja gravedad, trampolín de baja gravedad y escalada en roca.

Tom Spilker, el ingeniero principal de la estación, ideó un juego que implica correr alrededor de las paredes curvas y el techo del gimnasio. Además, existe la posibilidad de jugar juegos ficticios como el Quidditch de la serie Harry Potter y los juegos de batalla de la serie Ender's Game.

También habrá muchas de las cosas que ve en los cruceros: restaurantes, bares, conciertos musicales, proyecciones de películas y seminarios educativos. Eventualmente, planeamos ofrecer excursiones en verdaderas naves espaciales (no diseñadas para regresar a la Tierra) a otras estaciones oa la luna.

d.b: ¿Cómo serviría la comida en el hotel? ¿Qué hay de ir al baño?

Tim Alatorre: La mayoría de la comida se servirá en uno de los dos restaurantes de la estación. Estamos planeando cocinas de servicio completo con todos los platos que esperaría en un crucero de lujo o en un hotel importante. Muchos de los problemas logísticos para el servicio de alimentos fueron resueltos hace años por la industria de cruceros.

El principal desafío que tenemos es lidiar con el escape de los olores de la cocina y el humo, ya que simplemente no podemos ventilarlos al exterior como lo harías en la Tierra. Dado que tendremos gravedad artificial, los inodoros y los baños funcionarán casi de manera idéntica a lo que la gente está acostumbrada en la Tierra.

Los visitantes del hotel no tendrán que luchar con baños de microgravedad y duchas como los que usan los astronautas en la ISS. Toda el agua potable se traerá directamente de la Tierra y los usos no potables, como duchas e inodoros, utilizarán agua reciclada. No existe una limitación técnica para usar agua reciclada para beber, pero es una decisión que tomamos con base en la psicología humana, el mismo enfoque que se usó en la ISS.

d.b: ¿Cuál es el futuro del turismo espacial?

Tim Alatorre: El turismo espacial y la vivienda espacial para la persona promedio están al borde de un gran avance. Con el dramático aumento de empresas privadas que brindan servicios de lanzamiento a órbita de bajo costo y la comercialización general del espacio impulsada por la NASA, nunca ha habido un momento en la historia en el que haya sido financieramente más factible viajar al espacio.

Debido a que los costos generales siguen siendo tan altos, la mayoría de la gente asume que el turismo espacial solo estará disponible para los súper ricos, y aunque creo que esto será cierto durante los próximos años, la Fundación Gateway tiene el objetivo de hacer que los viajes espaciales estén abiertos a todos. .

Están desarrollando programas que brindarán a las personas con ingresos promedio la posibilidad de ganar o comprar boletos con descuento y pasar una semana en el espacio. Eventualmente, ir al espacio será solo otra opción que la gente elegirá para sus vacaciones, al igual que ir en un crucero o ir a Disney World.

d.b: ¿Cuándo se volverá normal? ¿Cuántas personas viajarán al espacio por turismo en 2025? ¿O 2030?

Tim Alatorre: El próximo avance necesario para que el turismo espacial sea normal será un vehículo de lanzamiento de la Tierra a la órbita de alta capacidad.

El vehículo con más probabilidades de estar operativo en un futuro próximo es el propulsor Starship y Super Heavy de Space X. Tiene una capacidad prevista de 100 personas para viajes a Marte y de hasta 1.000 personas para vuelos suborbitales, aunque aún no se conocen las especificaciones finales.

Elon Musk espera que Starship entre en órbita a fines de 2020 y, con suerte, los lanzamientos tripulados se realizarán un par de años después. Blue Origin también está progresando en su vehículo de lanzamiento pesado New Glenn. Estas embarcaciones reutilizables de gran capacidad son importantes para mantener los costos bajos. Virgin Galactic debería comenzar vuelos suborbitales para un número limitado de personas dentro del año, siendo el primero en comercializar con turismo espacial comercial.

Su precio por asiento aún está fuera del alcance de la mayoría de las personas, pero estoy bastante seguro de que tienen planes más grandes en proceso. La corporación Sierra Nevada también está logrando un progreso significativo con su vehículo Dream Chaser, que esperamos utilizar como nuestros "botes salvavidas".

El objetivo de la Fundación Gateway es tener Von Braun en funcionamiento para 2025 con 100 turistas visitando la estación por semana. Para 2030, el objetivo es tener dos estaciones en órbita con una población de al menos 500 personas viviendo en órbita permanentemente y 200 turistas por semana, para un total de más de 10,000 personas por año.

Además de esto, grupos como la Sociedad Nacional del Espacio y la NASA tienen sus propios objetivos. Para 2030, podríamos tener más de 1000 personas por mes viajando en órbita, la luna y más allá. Predicciones como estas se han hecho en el pasado, pero todas las piezas finalmente se están juntando para hacer que esto finalmente sea posible.

Mirando más allá de 2030, la estación Von Braun es una prueba de concepto para el próximo proyecto de la Fundación Gateway, que es una clase de estación llamada The Gateway, que albergará a más de 1400 personas. Estas serán verdaderas ciudades en el espacio que serán puertos de escala para aquellos que van y vienen de la luna y Marte.

Ricardo Bofill 1939-2022

January 14, 2022 in Arquitectura, España, Post-Modernismo

Ricardo Bofill, el arquitecto español fundador de Taller de Arquitectura (RBTA), diseñador del icónico Walden 7 y de más de 1.000 proyectos en cuarenta países, ha fallecido este viernes 14 de enero a los 82 años en Barcelona, según ha anunciado oficialmente su propio despacho a través de un comunicado.

Corría el año 1963 cuando, habiendo sido expulsado de la Escuela de Arquitectura de Barcelona (ETSAB) por antifranquista, fundó lo que hoy sería un colectivo transdisciplinar. Con el poeta José Agustín Goytisolo, su hermana Anna —que además de arquitecta era música—, su primera mujer, la actriz Serena Vergano, y una docena de sociólogos, cineastas y fotógrafos formaron el Taller de Arquitectura en Sant Just Desvern, a las afueras de Barcelona, dentro de una antigua fábrica de cemento reconvertida en un monumental estudio-vivienda donde Bofill continuó viviendo toda su vida. Junto a ese estudio, el Taller construyó uno de los inmuebles más carismáticos de España, el Walden 7 (1975). Tal era la fama de lugar rompedor de ese edificio de viviendas que Juan Marsé hizo que el protagonista de su novela El amante bilingüe viviera allí. Eso sí, cada mañana el tipo apartaba de su camino las baldosas que se habían caído de la fachada.

Instalado en París, y conseguido su título de arquitecto en Ginebra, su enorme cultura, su frescura, su audacia y su charme convirtieron a Bofill en un proyectista cosmopolita. Desplegó su defensa de la plaza mediterránea como lugar de encuentro y convivencia y su obsesión por actualizar la historia —como monumentalidad habitada— por toda Francia. En Versalles, construyó Les Arcades du Lac (1982), una ville nouvelle de manzanas ortogonales que ―como Le Palais d’Abraxas o Le Théâtre y L’Arc en Marne-la-Vallée― combinan tecnología e historicismo, jardín francés, vivienda social y la obsesión bofilliana de reivindicar la convivencia cívica.

Tal vez por rebeldía o quizá porque se esforzó por ser un tipo libre, Bofill esquivó el racionalismo casi toda su vida. Le preocupó más construir lugares conectados a la ciudad que edificios aislados. En medio de una ola generalizada de depuración moderna —que solo empleó para simplificar y actualizar el carácter vernáculo de sus primeros proyectos— él siempre respondió recurriendo a la historia. Y a la tecnología. Así, fue postmoderno antes de la postmodernidad —cuando serlo pasó a indicar más moda que cultura histórica—. Con todo resulta paradójico que hoy resulte difícil ponerle fecha a barrios como Echelles du Baroque, en el distrito XIV de París, o Antigone en Montpellier, que, levantados a principios de los ochenta, construyen una presencia todavía abrumadora en la ciudad.

La firma elogió la capacidad de Bofill para "cuestionar el pensamiento dominante en arquitectura. [Sus obras] abarcan una expresión de estilo, conectada con el contexto, que presenta una fuerte dosis de innovación y riesgo". Además, RBTA ha confirmado que sus dos hijos, Ricardo Emilio y Pablo, seguirán al frente de la firma fundada en 1963.

Si el sueño de habitar columnas colosales lo combinamos con el uso de vivienda colectiva, el resultado puede llegar a ser una bomba de relojería, como sucede en el edificio de apartamentos de Chicago «Pensacola Place II» (1981). En ese icónico edificio, Stanley Tigerman convierte una fachada de vidrio de 14 pisos de altura puramente funcionalista, en un verdadero templo jónico habitado. Para ello, el arquitecto norteamericano superpone al volumen convencional del edificio un entablamento gigante como remate superior y unos balcones semicirculares que reconstruyen visualmente seis columnas de proporciones descomunales.

«La creación de la gigantesca columnata imaginaria se realizó con los materiales más sencillos. Las columnas, que son los balcones escalonados de los apartamentos, ganaron cuerpo con unas barandillas de malla fina recubiertas de vinilo que combinan transparencia para las vistas con aparente solidez para potenciar la ilusión.» (Tigerman, 1983)[1]

Lo que en manos de Tigerman resultaba un mero juego estilístico, o un guiño visual a la historia tan común en la efervescente posmodernidad, se estaba convirtiendo en la periferia de París, casi de manera simultánea, en poco menos que asunto de estado. El presidente francés, François Mitterrand, neoclasicista y faraónico a partes iguales,[2] pero siempre enamorado de los proyectos de gran envergadura, confía en Ricardo Bofill, en sus columnas gigantes, y en varios de sus acólitos, para construir algunos de los edificios de vivienda social más icónicos en los alrededores de la capital francesa. Todos ellos, complejos necesarios para la expansión de ciudades-dormitorio de nueva creación como Marne-la-Vallée o Cergy-Pontoise, que acogieran el crecimiento incontrolado de la metrópolis parisina. La idea de entender la vivienda como un palacio[4] sustituye aquí a la de la «machine à habiter» corbuseriana como propuesta para la reconstrucción francesa, convirtiéndose en el leitmotiv principal de proyectos como «Les Espaces d’Abraxas» (1983) del propio Bofill o «Les Arenes de Picasso» (1984) de Núñez Yanowsky, uno de sus antiguos colaboradores del Taller de Arquitectura. Ambos complejos están repletos de columnas de vidrio de hasta nueve plantas, entablamentos de hormigón prefabricado, y aires de un retrofuturismo distópico neoclásico, que les convertirá en contextos perfecto para rodar años después escenas de películas que dibujan futuros fatalistas como Brazil (1985) de Terry Gilliam o Los Juegos del Hambre (2008).

Estos proyectos se desarrollan bajo el amparo de una política pública que utilizará esta concepción formal palaciega de la vivienda social de construcción masiva como slogan perfecto para enmascarar un urbanismo que repite los errores del pasado, creando guetos cerrados y periféricos, sin mejorar tampoco los estándares de las viviendas, pero que sin embargo, construyen una falsa identidad de vivir como un «Rey Sol en un Versalles para el pueblo», en y entre esas columnatas de proporciones desorbitadas, sumergidos en esos palacios de periferia en los que nacerán los futuros príncipes y princesas del pueblo.

Su despacho ha anunciado un acto público que se celebrará los próximos 26 y 27 de enero en la sede de Barcelona para quienes quieran rendir homenaje a Bofill.

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2022

Richard Rogers (1933-2021)

December 18, 2021 in Reino Unido

Richard Rogers, ARQUITECTO

Arquitecto Richard Rogers frente al Centro Pompidou, Paris, Francia.

Richard Rogers, el arquitecto británico ganador del Premio Pritzker cuyo atractivo y colorido modernismo alteró para siempre los paisajes urbanos de París y Londres, murió el sábado en su casa de Londres. Tenía 88 años. Su hijo, Roo Rogers, confirmó la muerte. No se dio ninguna causa.

Con sus llamativos diseños para el tubular Pompidou Centre de París; el enorme Millennium Dome de Londres, que parecía flotar como una nave espacial extraterrestre; y el imponente edificio Lloyd's of London, con su atrio altísimo, Rogers dio la vuelta a la arquitectura no solo de adentro hacia afuera, sino también de cabeza.

Dirección: Place Georges-Pompidou, 75004 Paris, Francia

Cuando recibió el Pritzker, el mayor honor de la arquitectura, en 2007, el jurado citó su "interpretación única de la fascinación del Movimiento Moderno por el edificio como máquina" y dijo que había "revolucionado los museos, transformando lo que alguna vez fueron monumentos de élite en lugares populares de intercambio social y cultural, tejido en el corazón de la ciudad ”. Sin embargo, tuvo sus críticos, especialmente desde el principio.

Richard Rogers, proyecto para la aseguradora Lloyd’s de Londres

Un día lluvioso de 1977, el Sr.Rogers, nacido en Italia, estaba parado en una calle de París, admirando el Centro Pompidou, que pronto se inauguraría, de aspecto radical la estructura que había diseñado con su amigo el arquitecto italiano Renzo Piano, estaba en ese entonces asediada y muy ridiculizada.

Cuando una mujer elegantemente vestida le ofreció refugio bajo su paraguas. y luego le preguntó si sabía quién había diseñado el edificio.

Cuando él anunció con orgullo: "¡Señora, fui yo!", Recordó en sus memorias de 2017, "Un lugar para todas las personas", lo golpeó en la cabeza con el paraguas y se marchó.

Place Georges-Pompidou, 75004 Paris, France

Seis años antes, el Sr. Rogers y el Sr. Piano habían participado en un concurso para diseñar ese centro cultural, sobre un sucio estacionamiento en un barrio rojo. Llamaron a su diseño, con su caparazón de acero transparente, escaleras mecánicas tubulares y sistemas expuestos pintados en colores primarios, "un lugar para todas las personas".

Con una plaza a nivel de calle e interiores flexibles para albergar una biblioteca, una galería de arte y un escenario musical, el edificio (llamado así por el ex presidente francés Georges Pompidou) estaba destinado a ser un foro animado para la vida pública, más que un mausoleo de alta cultura.

Sin embargo, todo el esfuerzo parecía condenado al fracaso desde el principio: su presentación fue inicialmente devuelta debido a un franqueo insuficiente. Después de ganar el concurso, hubo una oposición constante y mordaz a su diseño funky y atrevido, que muchos deploran como una profanación del horizonte de París. La heredera de un destacado artista juró que prefería quemar las pinturas antes que colgarlas allí.

Cuando finalmente se inauguró el Centro Pompidou, en enero de 1977, era previsible que las críticas fueran variadas: "París tiene su propio monstruo", declaró Le Figaro, "al igual que el lago Ness", pero al público le encantó y la gente formaba filas por centenares cada día. . Siete millones visitaron ese año, más de los que asistieron al Louvre y la Torre Eiffel juntos. Al escribir en The New York Times, el crítico de arte Hilton Kramer calificó el edificio como "uno de los logros arquitectónicos más impresionantes de los últimos tiempos".

"Simplemente no se parece a nada que se haya visto antes", escribió, "y por lo tanto es especialmente aterrador para las personas que no pueden soportar la idea de algo realmente nuevo en el arte de la construcción".

Richard George Rogers nació el 23 de julio de 1933 en Florencia. Era nieto de un dentista inglés, lo que significaba que no solo tenía un apellido anglicano sino también un pasaporte británico. Su padre, Nino, era médico y anglófilo; su madre, Dada, era hija de un arquitecto y un ingeniero. Culta y políticamente progresista, la familia huyó de la Italia fascista en 1939 y se mudó a Inglaterra con la guerra en Europa.

En ese momento, el mundo de Richard, como escribió en sus memorias, pasó del color al blanco y negro: Londres estaba envuelta en la niebla tóxica de la quema de carbón. Su padre trabajaba en una clínica de tuberculosis y su madre trabajaba con él. Cuando enfermó de la enfermedad y fue a recuperarse a los Alpes, Richard, de 6 años, fue enviado a un internado.

Disléxico y ajeno a sus compañeros de escuela, fue acosado y golpeado, y a las 9 consideró tirarse por la ventana de su dormitorio. Su discapacidad de aprendizaje no fue ampliamente comprendida ni reconocida en esos días; él era, dijo, visto como estúpido.

Al escribir en The New York Times, el crítico de arte Hilton Kramer calificó el edificio como "uno de los logros arquitectónicos más impresionantes de los últimos tiempos".

"La gente me ha preguntado si la dislexia te convierte en un mejor arquitecto", escribió Rogers en sus memorias. "No estoy seguro de si eso es cierto, pero descarta algunas carreras, por lo que te enfoca en lo que puedes hacer". A la deriva después de la escuela, se unió al ejército británico y sirvió dos años en Trieste, durante los cuales pasó un tiempo con un primo, Ernesto Rogers, un célebre arquitecto y urbanista, y trabajó en su oficina de Milán. El trabajo de Ernesto, la promesa cívica del modernismo y su propia versión cálida del mismo, inspiró a Richard a unirse a la profesión. Después de un año en la escuela de arte, se matriculó en la Architectural Association School of Architecture en Londres, en ese momento la única escuela de este tipo en Gran Bretaña.

En su tercer año, conoció a Su Brumwell, una estudiante de sociología cuyo padre fue uno de los fundadores de Design Research Unit, una consultora de diseño británica; se casaron en 1960. La pareja pasó su luna de miel en un kibutz en Israel, luego se mudó a New Haven, Connecticut, para asistir a Yale - el Sr. Rogers con una beca Fulbright para estudiar arquitectura y la Sra. Rogers para estudiar planificación urbana. Allí conocieron a Norman Foster, un compañero de estudios, con quien rápidamente se hicieron amigos y, más tarde, colaboradores.

Un viaje por carretera al sur de California después de la graduación les presentó a Su y Richard los colores brillantes de Mondrian de las casas de estudio de caso, prototipos de viviendas económicas diseñadas por arquitectos modernistas como Richard Neutra y Charles y Ray Eames. Cuando regresaron a Gran Bretaña, el Sr. Rogers formó un estudio de arquitectura con el Sr. Foster y dos hermanas arquitectas, Wendy y Georgie Cheeseman. Construyeron casas para todos sus padres, inspirados en las que la pareja había visto en Los Ángeles.

Estas casas, a su vez, inspiraron el trabajo que siguió, encendiendo en el Sr. Rogers un entusiasmo por la eficiencia de la tecnología, la construcción modular y un compromiso con el lado más humano de la arquitectura.

Los miembros de la práctica pronto se separaron. A través de una presentación de su médico, el Sr. Rogers conoció al Sr. Piano, y con la Sra. Rogers y otros, establecieron una firma justo antes de la competencia de París. Décadas más tarde, el Sr. Rogers, el Sr. Foster y el Sr. Piano estarían entre los arquitectos modernistas más exitosos y conocidos del mundo: Les Starchitects, como los llamaban los franceses.

Rogers y su esposa también se separaron cuando, en un golpe de Estado a principios de la década de 1970, se enamoró de Ruth Elias, una diseñadora de libros estadounidense y luego chef. Se casaron en 1973. Un año después de la apertura de Pompidou, el Sr. Rogers y el Sr. Piano también se separaron profesionalmente, aunque siguieron siendo amigos.

“Richard siempre ha estado cuatro pasos por delante de mí en todo”, dijo Piano en una entrevista para este obituario en 2020. “Desde el principio estuvo predicando sobre la arquitectura como el arte de hacer un mundo mejor. Tiene una especie de fuerza cívica ”.

El Sr. Rogers dijo que sus edificios fueron diseñados tanto para el disfrute de los que pasaban como para los usuarios. Su edificio Lloyd's of London, terminado en 1986 y encajado en el distrito financiero de Londres, es uno de esos asombrosos, con un atrio abovedado sostenido por gruesos pilares de hormigón; Las torres de servicio, atadas con conductos, están descaradamente plantadas en el exterior. Al escribir en The Times, el crítico Paul Goldberger lo llamó "un espectáculo de alta tecnología".

Sus otras obras de alto perfil incluyen los tribunales de justicia en Burdeos, Francia, hermosas mazorcas de cedro colocadas en paredes de vidrio bajo un techo de cobre ondulado alrededor de una plaza pública central; y la Terminal 4 del aeropuerto de Madrid-Barajas, finalizada en 2005, un corredor elevado lleno de luz con puntales de colores del arco iris.

El Millennium Dome en el sureste de Londres no era tan querido. Una serie de estructuras de tiendas de campaña diseñadas para albergar exhibiciones interactivas en el sitio donde se introdujo la hora media de Greenwich en 1884, y donde comenzaría oficialmente el siglo XXI, fue ampliamente criticado como una broma cara (costó más de $ 1.2 mil millones). The Guardian lo comparó con un hogar para Teletubbies muy grandes; El príncipe Carlos, crítico del modernismo desde hace mucho tiempo, lo describió como un "monstruoso manjar blanco".

El príncipe Carlos había estado lanzando salvas a la arquitectura modernista desde que anunció en 1984 que una propuesta adición a la Galería Nacional de Londres era como un furúnculo en el rostro de un amigo muy querido y elegante. Criticó muchos edificios nuevos, lo que provocó que algunos desarrolladores evitaran e incluso echaran a perder el trabajo de Rogers y otros por temor a perder el favor real. El Sr. Rogers fue uno de los oponentes más vociferantes del príncipe.

Si hay alguna continuidad en la historia de la arquitectura ", escribió en un largo artículo para The Times de Londres en 1989 titulado" Derribando al príncipe "," no radica en una estética ilusoria, sino en el hecho de que toda desviación de la tradición había provocado una feroz controversia y oposición ".

Rogers fue un defensor de la sostenibilidad: su edificio de la Asamblea Nacional en Cardiff, Gales, que parece una nave espacial flotante de secuoyas, redujo a la mitad el uso de energía del Parlamento de Gales. Abogó por desarrollos compactos y viviendas asequibles y equitativas, así como por ciudades sin automóviles. Durante casi una década fue el principal asesor de arquitectura y urbanismo del alcalde de Londres. Fue nombrado caballero en 1991 y se convirtió en un compañero vitalicio en 1996.

En Rogers Stirk Harbour + Partners, una empresa con sede en Londres con una plantilla de 160 personas, cada empleado comparte las ganancias de la empresa, un porcentaje de las cuales se dona a organizaciones benéficas. "No creo en la propiedad del trabajo", dijo a The Times. Se retiró en 2020.

Su legado son sus edificios, por supuesto, pero también "la idea de que el modernismo no tiene por qué ser frío o negarnos los placeres sensuales", dijo Goldberger en una entrevista. “Le encantaba el color y quería que sus edificios inspiraran una conexión emocional. Y lo más importante de todo, quería que el urbanismo fuera una fuerza positiva; trabajó toda su vida para hacer que las ciudades civilizaran lugares, no solo colecciones de edificios desconectados ".

Además de su hijo Roo, al Sr. Rogers le sobreviven su esposa; otros tres hijos, Ben, Zad y Ab; un hermano, Peter; y 13 nietos. Su hijo Bo murió en 2011 a los 27 años.

El Sr. Rogers se vistió de una manera tan colorida como sus edificios, por ejemplo, con una camisa naranja, pantalones azul cobalto y un par de calcetines de su guardarropa arcoíris.

Ruth Rogers, conocida como Ruthie, aportó la misma calidez al River Cafe de Londres, el restaurante que fundó en 1987 con su amiga Rose Gray, al igual que ella, una chef autodidacta.

Ubicado en Thames Wharf, un antiguo edificio industrial junto al río que era propiedad de la firma del Sr. Rogers en ese momento, el River Cafe fue al principio un comedor para arquitectos.

Con su comida italiana terrosa y un diseño llamativo del Sr. Rogers, su horno de leña es una vaina de color rosa brillante, pronto se convirtió en parte de una nueva ola de cocina de la granja a la mesa en Londres y un lugar para ir para estrellas de rock y políticos.

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2021

Zapatero a tus zapatos - Munger Hall

November 16, 2021

Arquitecto renuncia a su cargo por imposición de diseño INHUMANO:

Un arquitecto consultor del Comité de Revisión de Diseño de UCSB renunció a su cargo en protesta por el proyecto Munger Hall propuesto por la universidad y calificó el enorme plan de dormitorios, en su mayoría sin ventanas, como "insoportable desde mi perspectiva como arquitecto, padre y ser humano".

En su carta de renuncia del 25 de octubre a la arquitecta del campus de UCSB, Julie Hendricks, Dennis McFadden, un arquitecto del sur de California muy respetado con 15 años en el comité, se lanza a la tierra con el concepto de “edificio nuevo radical”, que requiere un edificio de 11 pisos, 100,000 metros cuadrados que albergaría hasta 4.500 estudiantes, el 94 por ciento de los cuales no tendría ventanas en sus pequeñas habitaciones de uso individual.

La idea fue concebida por el inversor multimillonario de 97 años convertido en arquitecto aficionado Charles Munger, quien donó 200 millones de dólares para el proyecto con la condición de que se siguieran exactamente sus planos. Munger sostiene que las pequeñas viviendas sacarían a los residentes de sus habitaciones y los llevarían a áreas comunes más grandes, donde podrían interactuar y colaborar. También argumenta que la prefabricación fuera del sitio de elementos de construcción estandarizados (los nueve niveles residenciales cuentan con planos de planta idénticos) ahorraría costos de construcción. Toda la propuesta, que surge cuando UCSB intenta desesperadamente aumentar su sobrecargado inventario de viviendas, el proyecto está presupuestado en el rango de $ 1.5 mil millones. El decano Henry Yang lo ha calificado de "inspirador y revolucionario".

McFadden no estuvo de acuerdo con lo que la universidad ha descrito como "La visión de Charlie" por los beneficios de una experiencia de vida "muy unida". “Un amplio cuerpo de evidencia documentada muestra que los ambientes interiores con acceso a luz natural, aire y vistas a la naturaleza mejoran el bienestar físico y mental de los ocupantes”, escribió. "El diseño de Munger Hall ignora esta evidencia y parece adoptar la posición de que no importa".

Hasta ahora, continuó McFadden, la universidad no ha ofrecido ninguna investigación o datos para justificar la desviación sin precedentes de los estándares normales de vivienda para estudiantes, las tendencias históricas y los principios básicos de sostenibilidad. "Más bien", dijo, "como la 'visión' de un solo donante, el edificio es un experimento social y psicológico con un impacto desconocido en las vidas y el desarrollo personal de los estudiantes universitarios a los que sirve la universidad".

McFadden explica que se sintió obligado a retirarse del Comité de Revisión de Diseño (DRC) después de que quedó claro durante una presentación del 5 de octubre que los planes del dormitorio ya estaban escritos en piedra. “El diseño se describió como 100% completo, no se solicitó aprobación, no se votó y no se pretendía ni se requieren más presentaciones”, dijo. "Sin embargo, en los casi quince años que me desempeñé como arquitecto consultor, no se presentó al comité ningún proyecto que sea más grande, más transformador y potencialmente más destructivo para el campus como un lugar que Munger Hall". Este tipo de propuesta extravagante es exactamente la razón por la que existe el comité, dijo.

McFadden establece comparaciones sorprendentes entre Munger Hall y otras grandes estructuras para ilustrar su colosal huella. Actualmente, dijo, el dormitorio individual más grande del mundo es Bancroft Hall en la Academia Naval de los Estados Unidos, que alberga a 4.000 estudiantes y está compuesto por múltiples alas envueltas alrededor de numerosos patios con más de 25 entradas.

“Munger Hall, en comparación, es un bloque único que alberga a 4.500 estudiantes con dos entradas”, dijo McFadden, y calificaría como el octavo vecindario más denso del planeta, por debajo de Dhaka, Bangladesh. Podría albergar a toda la población de estudiantes de la Universidad de Princeton, o las cinco universidades de Claremont. "El proyecto es esencialmente la parte de la vida estudiantil de un campus universitario de tamaño medio en una caja", dijo.

El proyecto está completamente separado de su entorno físico, prosigue McFadden, y no tiene relación con la "espectacular ubicación costera" de UCSB. También está fuera de lugar con la escala y la textura del resto del campus, dijo, "un mundo extraño estacionado en la esquina del campus, no una extensión integralmente relacionada". Incluso el patio de la azotea mira hacia adentro y "bien podría estar en el suelo en el desierto como en el undécimo piso en la costa de California", dijo.

Cada piso residencial está dividido por un solo corredor interior ramificado por pasillos más pequeños. | Crédito: Cortesía

“Como proyecto que impulsa economías de escala, prefabricación y un proceso de ejecución de proyectos alternativo”, concluye McFadden, “Munger Hall ofrece una respuesta a la pregunta de cómo resolver la escasez de viviendas y las presiones de crecimiento que enfrenta actualmente la Universidad. Sin embargo, como solución de diseño y edificio del campus, el proyecto sobrevivirá durante mucho tiempo a las circunstancias de su origen e impactará la vida del campus y la vida de sus estudiantes durante varias generaciones ”.

Andrea Estrada, portavoz de UCSB, dijo que si bien la universidad estaba agradecida por el servicio de McFadden en el comité de revisión, sus comentarios sobre la propuesta de Munger y su renuncia no impedirán que se construya. “El proyecto y diseño de Munger Hall continúa avanzando según lo planeado”, dijo en un comunicado. "Estamos encantados de seguir adelante con este proyecto de transformación".

[ACTUALIZACIÓN 11/2/21] En un comentario de seguimiento al Santa Barbara Independent el martes, la portavoz de UCSB, Andrea Estrada, dijo que la universidad reconoció que Munger Hall podría no ser para todos, y enfatizó que UCSB actualmente brinda alojamiento a 10,000 estudiantes que viven en habitaciones dobles. o habitaciones de ocupación triple. Por el contrario, Munger Hall ofrecerá a cada estudiante sus propios cuartos separados, aunque muy pequeños. Eso, según una declaración del arquitecto del proyecto Van Tilburg, Banvard y Soderbergh, proporcionará un distanciamiento social integrado como lo requiere COVID. El arquitecto insistió en que el aire fresco se ventilará en todas las habitaciones al doble de la tasa exigida por los códigos de construcción existentes y se liberará directamente a la atmósfera sin ninguna transferencia a otras habitaciones del dormitorio.

En cuanto a las preocupaciones sobre la falta de luz natural directa causada por la falta de ventanas, todas las habitaciones individuales tendrían ventanas convencionales o virtuales. "Todas las ventanas virtuales tendrán un sistema de control del ritmo circadiano totalmente programado para reflejar sustancialmente los niveles de iluminación y la temperatura de color de la luz natural", según el comunicado. Todas las áreas comunes, agregó el comunicado, "tienen un acceso significativo a la luz natural".

En cuanto a las salidas de emergencia, señaló el comunicado, la estructura propuesta tendría 14 salidas / entradas adicionales, además de las dos principales. Los escenarios de evacuación, agregó la declaración, "se han estudiado en gran medida a través del modelado continuo de movimiento de masas y evacuación".

Se prestará mayor atención al diseño en las áreas comunes como un incentivo transformador para que los estudiantes se relacionen más "mejorando sustancialmente la salud mental y emocional de los estudiantes". El edificio contiene comodidades tales como un mercado, panadería, gimnasio, gastro pub, sala de juegos, sala para llevar y cocina de demostración para quienes deseen cocinar.

The Noun Project

October 16, 2021

The Noun Project

El título lo dice todo: si has pasado horas navegando en la web en busca de iconos de diseño simples para diagramas y representación arquitectónica, una herramienta relevante para optimizar la organización, el análisis y la comunicación, esta biblioteca universal en línea de The Noun Project será muy útil. .

Más de un millón de dibujos generados por una comunidad global se presentan en la galería "Iconos para todo", que puede utilizar acreditando al autor a través de una licencia Creative Commons o pagando una cantidad sugerida por cada diseño.

¿Y por qué los iconos? Son una especie de lenguaje visual universal, una excelente forma de comunicación directa para cuando faltan palabras, o traducciones, más allá de las fronteras del mundo.

Inicia tu búsqueda aquí > LINK

diseñobolivia.com

2021

Amplian el MASP de LBB

August 20, 2021 in Arquitectura, Brasil, Museo

El Museo de Arte de São Paulo anuncia el lanzamiento del proyecto MASP en expansión. El nuevo proyecto tiene como objetivo adaptar la estructura física del museo a su ambición institucional, transformándolo para las generaciones venideras.

Este es el logro más significativo en la historia del museo tras su traslado de la Rua 7 de Abril, en la sede de Diários Associados, a la Avenida Paulista, en 1968. En ese momento, se produjo el cambio para que el museo tuviera sede en altura de su colección. El edificio diseñado por Lina Bo Bardi (1914-1992), reconocido por su trabajo con el León de Oro Especial en la Bienal de Venecia en 2021, se ha convertido en una postal de la ciudad y en un símbolo de la arquitectura moderna mundial del siglo XX.

Como una forma de preservar y mejorar la historia de la institución con el reconocimiento de sus fundadores, el edificio original llevará el nombre de su arquitecta, Lina Bo Bardi, y el nuevo edificio llevará el nombre del primer director artístico del museo, Pietro Maria Bardi ( 1900-1999). Estos nombres, combinados con el de la propia institución, el Museo de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, que hace referencia a su fundador (1892-1968), completarán el homenaje al trío fundador del MASP.

“MASP atraviesa así el mayor proceso de expansión física de su historia, realizado con recursos propios. Vamos a incrementar la capacidad expositiva del museo en un 66%, integrando los dos edificios, y esta es una inversión muy relevante para la cultura paulista. Creo que esta expansión consolida al museo y a la misma Avenida Paulista como eje cultural, quizás el eje cultural más importante de Brasil, del cual MASP, sin duda, es el ancla ”, dice Alfredo Setubal, Presidente del Directorio de MASP.

Programado para entrega en enero de 2024, el edificio Pietro tendrá 14 pisos. Estos estarán ocupados por cinco salas de exhibición y dos galerías de usos múltiples, lo que representa un aumento del 66% en el área de exhibición del MASP. El edificio también albergará restaurante, taquilla, tienda, reserva técnica, aulas y laboratorio de restauración. Al final de la renovación, la superficie total del MASP será de 17.680 m² (hoy son 10.485 m²). Además de aumentar el espacio físico, la nueva construcción ampliará lo que MASP es y ya representa a nivel nacional e internacional.

Debido a limitaciones físicas, actualmente se exhibe poco más del 1% de la colección del museo. En total, MASP cuenta con más de 11.000 obras entre pinturas, esculturas, objetos, fotografías, videos y vestimentas de diferentes épocas, que abarcan la producción europea, africana, asiática y americana. Este es otro aspecto que se verá afectado positivamente por la apertura.

“La colección de MASP ha ido creciendo. Nuestro plan es que el edificio Lina se dedique a la exposición de obras que pertenezcan a la colección del museo, especialmente en las zonas subterráneas. Las nuevas galerías deberían llenarse de exposiciones temporales, todas con techos altos y equipadas con sistemas de aire acondicionado e iluminación de última generación ”, afirma Adriano Pedrosa, director artístico de MASP. “Actualmente, la programación del museo tiene un horario apretado y estos espacios brindarán un mayor respiro en el calendario y una mejor organización en la narrativa de las exposiciones”.

El edificio Pietro también permitirá complementar y calificar las instalaciones técnicas del museo, con la ampliación de áreas como almacenes y muelles, que hoy imponen límites concretos a la gestión operativa.

Una parte esencial del proyecto es la interconexión subterránea entre los dos edificios, que se construirá bajo Rua Prof. Otavio Mendes – ya autorizado por la Ciudad de São Paulo. Otra transformación importante será el traslado de la taquilla al edificio Pietro, liberando el espacio abierto y devolviendo este espacio a su uso como plaza pública, uso que defendió Lina Bo Bardi desde que idealizó la actual sede del MASP.

El edificio Pietro contará con pisos completamente transparentes cerca del suelo, en diálogo con el vano libre, y los pisos superiores cubiertos con láminas de metal perforadas y corrugadas, lo que permitirá una imagen monolítica sin perjudicar las vistas del paisaje y la entrada de natural. luz a través de aberturas estratégicamente ubicadas, de acuerdo a las necesidades de los espacios internos.

En diálogo con Heitor Martins, director-presidente del museo, y otros líderes del museo, el arquitecto Paulo Mendes da Rocha (1928-2021), Pritzker de arquitectura, enfatizó que MASP debe diseñar un nuevo edificio que traiga todas las funcionalidades necesarias para lo que se hace en el museo, pero siguiendo una arquitectura que enfatiza la desarrollada por Lina sin competir con ella.

El proyecto buscará soluciones sostenibles para reducir la huella de carbono. El proyecto contará con la certificación LEED (Leadership in Energy and Environmental Design). El edificio será moderno y tecnológico, con iluminación LED y automatizada, con una importante reducción del consumo energético. Además, habrá una doble fachada que protege el edificio de la radiación solar y sombrea las ventanas, reduciendo la carga térmica interna. La malla metálica que revestirá el edificio permite que se forme una capa de aire entre el edificio y la fachada exterior, creando un microclima. Esto alivia el sistema de ventilación y aire acondicionado y reduce el consumo de energía.

La ampliación del museo fue concebida por primera vez por Júlio Neves, arquitecto que ocupó el cargo de presidente del MASP durante 14 años, de 1995 a 2009. En la década de 1990, Neves fue responsable de la renovación que incluyó la instalación de la reserva técnica del museo. y la renovación del sistema de aire acondicionado. Participó en la compra del edificio Dumont-Adams en la década de 2000 y desarrolló el diseño inicial del edificio. A lo largo de los años, el proyecto ha sufrido cambios para obtener la aprobación de los organismos del patrimonio histórico y cumplir con los nuevos usos previstos del espacio.

“Este proyecto que comienza ahora es equivalente a la tecnología aplicada a los mejores museos del mundo y no conozco otra estructura similar en Brasil. Creo que el MASP en expansión será un caso único de planificación y modernidad en nuestro país ”, dice Júlio Neves.

El proyecto arquitectónico es coautor de Júlio Neves con METRO Arquitetos Associados, los socios Martin Corullon y Gustavo Cedroni. La oficina, que ha tenido una fructífera relación con MASP desde 2015, realizó adaptaciones técnicas a los icónicos caballetes de vidrio desarrollados por Lina Bo Bardi que fueron reinstalados en el museo en 2016. Las exhibiciones flotantes, que se pueden ver en el segundo piso, son uno de los máximos símbolos del museo y forman parte del proyecto original del arquitecto.

METRO también se encargó de adaptar los reensambles de expografías elaboradas por Lina para MASP en exposiciones como Arte de France: de Delacroix a Cézanne (2015), Portinari popular (2016) y A Mão do Povo Brasileiro, 1969/2016 (2016-2017). ), además de crear nuevas exposiciones para exposiciones como Afro-Atlantic Stories (2018), elegido por el periódico estadounidense The New York Times como uno de los mejores de ese año. También trabajaron en mejoras al edificio, como la sustitución de los ascensores, la renovación del gran auditorio y la zona administrativa del museo. La ejecución del proyecto estará a cargo de Miriam Elwing, gerente de proyectos y arquitectura de MASP, con el apoyo de Tallento en la gestión de la obra y Racional Engenharia, quien será la responsable del desarrollo de los proyectos y ejecución de la obra.

Más que un Puente - Renzo Piano

August 13, 2021

El puente Génova-San Giorgio del Arq. Renzo Piano, que se encuentra donde solía estar Ponte Morandi, es más que un viaducto, es una idea para el desarrollo de la ciudad.

Será un puente simple y frugal, pero no ordinario. Un puente sobrio acorde con la naturaleza de los genoveses ". Lo que Renzo Piano tenía en mente desde el principio, en las tumultuosas y dramáticas horas que siguieron al trágico colapso del puente Morandi, fue un enfoque antropológico de la arquitectura. Veintidós meses después, tenemos el puente Génova-San Giorgio. Más allá de la charla justificadamente orgullosa de un trabajo terminado en un tiempo récord, la curación de una herida en el tejido conectivo tanto urbano como humano, casi un año después de la inauguración, se erige ahora como símbolo de renacimiento. La arquitectura, la ingeniería y, sin duda, también el paisajismo del puente de Piano, diseñado por Italferr y construido por el consorcio PerGenova (Webuild y Fincantieri Infrastructure), es ahora un elemento visual en una parte frágil y altamente antropizada de la ciudad en Val Polcevera. Las conexiones viales al nuevo puente y la nueva rampa de acceso occidental responden a la necesidad de reconectar la infraestructura vial existente: el túnel de Coronata al oeste y el intercambio A7 al este.

La obra restablece un vínculo fundamental por carretera y transporte en Génova, Liguria y todo el noroeste de Italia. En un sentido más amplio, es un catalizador para repensar y armonizar no solo dos mitades de la ciudad, sino también los cerros y el litoral, así como la red vial urbana, extraurbana y portuaria, con aproximadamente cinco mil vehículos en y fuera del puerto todos los días. Responde a las necesidades de una ciudad construida contra una pendiente y bajando al mar, no solo una respuesta física sino también una proyección de su destino, de la vocación milenaria de Génova por abrazar el mundo, que debe seguir guiando su desarrollo.

Los diseñadores respondieron a esta necesidad estructural y metafórica con el concepto de “puente urbano”, como lo caracteriza Piano, que no solo cumple funciones de infraestructura sino que encuentra su lugar en el contexto circundante, propiciando el diálogo entre la vista, la luz y el barrido. del mar. “Hay dos formas de llegar a Génova”, escribe Piano, “una a través del paso de Turchino, cuando el mar aparece a la vista después de los últimos túneles, o cruzando el valle de Polcevera, cuando comienzas a contemplar la luz de Génova, como decimos. una vez lo hizo cruzando el puente Morandi. Porque Génova tiene una particularidad: el mar está al sur, la luz del sol se refleja en el agua y en la ciudad. Y esto le da a la ciudad las cualidades especiales de su luz. Así que pasamos mucho tiempo trabajando en las barreras laterales. Con sus lados transparentes y la falta de superestructura, el puente ofrece vistas despejadas hacia el valle y el mar ".

Por tanto, los criterios visuales dictan los detalles estructurales. Los pilares de hormigón armado de sección elíptica, libres de ángulos agudos, permiten que la luz solar se deslice sobre la superficie, mitigando el impacto visual de la infraestructura y su presencia en el tejido urbano. La forma de la cubierta recuerda el casco de un barco flotando sobre los muelles en dispositivos de soporte que permiten que el viaducto respire sin comprometer la estabilidad o la resistencia. El sistema es estructuralmente óptimo, limitando las dimensiones y por tanto el impacto de las subestructuras, y lo más importante de los cimientos, en este contexto densamente urbanizado.

Pero el puente San Giorgio también es una máquina tecnológica muy avanzada: un complejo sistema de sensores internos (acelerómetros, galgas extensométricas, monitores de velocidad, inclinómetros y sensores de expansión de juntas y desplazamiento diferencial) proporcionan un flujo constante de datos sobre el comportamiento de cada pieza. de la estructura, creando una base de datos de fácil acceso que será de gran valor para diseñar una infraestructura similar en el futuro. La forma de la plataforma es arquitectónicamente significativa. La reducción progresiva de la sección hacia los bordes atenúa aún más el impacto visual. La pintura de color claro sobre el acero aporta luminosidad e integra mejor el viaducto en el paisaje. En resumen, es una obra totalmente estética que cumple una función y señala el camino más allá.

El proyecto de Renzo Piano refleja la nueva Génova, con proyectos arquitectónicos, urbanos y estratégicos en marcha orientados a los negocios globales. Si bien las inversiones de las agencias estatales se han guiado por una visión de la ciudad encerrada en sí misma durante los últimos treinta años, lo que ha llevado al déficit de infraestructura actual, ahora nos comprometemos a abrirnos al mundo como en los días de la República de Génova. Por eso queremos, en primer lugar, que el puerto viva en la ciudad y que la ciudad esté viva en su puerto. El proyecto de regeneración de la línea de costa, ahora en la fase ejecutiva, se refiere a la transformación de las instalaciones portuarias a funciones urbanas completamente desarrolladas, creando un "parque portuario de la ciudad" que desplazará el centro de masa de la ciudad hacia el mar. Esto beneficiará al centro histórico adyacente, actualmente objeto de otro proyecto de regeneración ("Caruggi" - callejones). En el futuro parque bajo el puente Génova-San Giorgio, Stefano Boeri Architetti imaginó el Círculo Rojo, un anillo de acero que conecta un territorio de hierro, agua, cemento y asfalto debajo y alrededor del viaducto. Este elemento simboliza el nuevo vínculo entre los dos lados del valle y la creación de conexiones hasta ahora imposibles que ampliarán enormemente el radio de acción de peatones y ciclistas.

Las propuestas internacionales exigen infraestructura internacional, tanto física como digital. Los nuevos cables submarinos que cruzan el Mediterráneo traerán cerca de 500 terabits de datos por segundo a Génova: el volumen digital más alto del mundo fluirá hacia y a través de nuestra ciudad. Se han iniciado los trabajos de modernización y ampliación de la terminal de pasajeros del aeropuerto Cristoforo Colombo. Para 2025 eliminaremos totalmente los combustibles de carbono de nuestro sistema de transporte público local y tendremos el primer puerto totalmente eco-sostenible en Europa: toda la energía, tanto para las embarcaciones como para las instalaciones en tierra, será azul o verde. Para rehacer Génova, debemos pensar globalmente y actuar localmente. Y eso es precisamente lo que hicimos para reconstruir el viaducto de Polcevera. Cuando el primer ministro Conte me ofreció el puesto de comisionado especial para el Puente Nuevo en octubre de 2018, acepté sin reservas. Como alcalde, no podría negarme a esta responsabilidad. Me sumergí de lleno. Nos dimos un cronograma estricto y una metodología que pronto desembocó en la inauguración del puente Génova-San Giorgio, un nuevo método de trabajo de referencia para Italia y un símbolo del impulso de la ciudad.

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2021

Cristo Obrero, Patrimonio UNESCO

July 28, 2021

La iglesia Cristo Obrero de Eladio Dieste es declarada patrimonio por la UNESCO

Iglesia Cristo Obrero, Atlántida, Uruguay, Eladio Dieste.

Hay profundas razones morales / prácticas para nuestra búsqueda que dan forma a nuestro trabajo: con la forma que creamos podemos ajustarnos a las leyes de la materia con toda reverencia, dialogando con la realidad y sus misterios en comunión esencial ... Para que la arquitectura sea construida verdaderamente, los materiales deben usarse con profundo respeto por su esencia y posibilidades; sólo así se puede lograr la "economía cósmica" ... de acuerdo con el orden profundo del mundo; solo entonces podremos tener esa autoridad que tanto nos asombra en las grandes obras del pasado. ELADIO DIESTE

Respecto a la obra, Dieste indicó que le parecía "una aberración que la iglesia fuera solo cosa de curas, de 'especialistas'", dijo. "O era de todos, o traicionaba su esencia comunitaria. La iglesia fue pensada de modo que todos se sintieran comunitariamente actores de la liturgia", agregó.

"Quería que la nave y el presbiterio se integraran sin que éste perdiera el matiz de mayor densidad espiritual que a mi juicio debía conservar, y me di cuenta en la obra de la importancia que para esto tenía la ubicación de los tres escalones con que se sube de la nave al presbiterio; cómo podían separar o unir, y unir manteniendo ese matiz o sumir todo el espacio en algo confuso e ilegible. Las consultas que hice a amigos que sabían más que yo no me ayudaron; eran problemas que no percibían. Los tuve que resolver solo y creo que se logró lo buscado; la prueba para mí es que se siente y no se nota", dijo en otra instancia describiendo cómo pensó la iglesia.

Es por este motivo, explica la FADU, que las proporciones se estudiaron para que los fieles estén cerca del altar, "de modo que sea viva su participación en los misterios sagrados".

"Que ya la configuración espacial de la nave haga sentir al fiel esa realidad muchas veces olvidada de puro consuetudinaria; que con el sacerdote ora, con él ofrece y con él participa en el sacrificio común", expresó.

El uso del ladrillo, dijo que correspondía a materiales "humildes como los fieles para quienes la iglesia se construye.

Sobre las paredes Dieste describió: "El conjunto de paredes y techo, que mide en planta 16 m y 30 m, se concibió como una gran cáscara de doble curvatura que apoya en el terreno mediante pilotes “in situ”. Cada pared de 7 m de altura está formada por una sucesión de conoides de directriz recta al nivel de suelo y ondulada ( con una parábola y dos medias parábolas acordadas por onda) en su parte superior. Para construirla se replanteó previamente la superficie reglada con alambres que se fijaban a las directrices. Hecho esto, los albañiles no tenían más que seguir en la colocación de los ladrillos los hilos que definían la superficie. Su espesor es de 30 cm.; la armadura de alambre de 3mm dispuesta en las hiladas, es de sólo medio kilo por metro cuadrado, suficiente para la resistencia parcial de la pared y para darle unidad estructural. La pared se ancló al contrapiso de mortero de arena y Pórtland y se terminó por una carrera horizontal que hace de alero y absorbe los empujes de la bóveda".

"La iglesia de Atlántida fue 'mi Facultad de Arquitectura'…Y una obra que ha tenido consecuencias importantes. Me cambió la vida", expresó Dieste según un extracto extraído de "Disparos sobre la arquitectura", de la Facultad de Arquitectura (FADU). "Hay que tener en cuenta que era mi primera obra de “arquitectura”, y que tuve que hacer con ella un duro aprendizaje por más que siempre me hubieran preocupado mucho los

problemas plásticos y su relación con lo constructivo, y antes de esto las relaciones entre el arte, la sociedad y la vida", agregó en otro relato divulgado por FADU.

El ingeniero aseguró que en el proyecto de esta iglesia ubicada en Ruta 11 Km. 164, Estación Atlántida, por la cual no cobró y en total tuvo el costo de "un galpón", procuró "un estilo a la vez severo y amable de piedad, con una gran confianza en el espíritu cristiano de los humildes que han de usarla … Que la iglesia como arquitectura, no fuera un obstáculo para una piedad verdadera sino su manifestación primera".

Puente impreso en 3D

July 19, 2021

Julio 2021

se inaugura el primer puente impreso en 3D del mundo en Holanda.

La primera pasarela de acero impresa en 3D del mundo se ha instalado en De Wallen, el barrio rojo más grande y conocido del centro de Ámsterdam, para cruzar uno de los canales más antiguos y famosos, el Oudezijds Achterburgwal.

Creada por la empresa holandesa MX3D y diseñada por Joris Laarman Lab, el puente mide 12,5 metros de largo y contiene 4,5 toneladas de acero inoxidable formando una estructura curva y fluida.

Se utilizaron cuatro robots industriales disponibles comercialmente para imprimir el puente, que fue transportado a su ubicación a través de un canal en el centro de Ámsterdam. El puente fue abierto por la reina holandesa Maxima con la ayuda de un pequeño robot.

El puente alcanzó un hito importante con el tramo del puente impreso en 3D robóticamente (la impresión comenzo en marzo de 2017 y se realizó durante 6 meses) y fue presentado al público en 2018. Está formado por cinco piezas, el tramo principal y 4 esquinas soldadas manualmente, y tendrá una doble función, por un lado siendo una infraestructura necesaria, y siendo también un trabajo artístico que muestra el potencial de la tecnología de impresión 3D.

El puente también se convertirá en un "laboratorio viviente", equipado con decenas de sensores. Durante los próximos cuatro años, los investigadores del Imperial College de Londres estudiarán los datos generados por el puente, que utilizarán para monitorear y medir el desempeño del puente en el mundo real.

Se necesitaron cuatro robots, casi 4.500 kilogramos de acero inoxidable, cerca de 1.100 kilómetros de cable y seis meses de impresión para construir la estructura sinuosa y ondulada, con una superficie rugosa, que parece sacada directamente de una película de ciencia ficción.

Los datos recopilados del puente permitirán a los investigadores monitorear el rendimiento en tiempo real, analizar cómo cambia su rendimiento a lo largo de su vida útil y comprender cómo interactúa el público con la infraestructura impresa en 3D. Los datos se introducirán en un "gemelo digital" del puente físico para imitar su rendimiento y comportamiento, lo que ayudará a informar los futuros proyectos de construcción novedosos que involucren la fabricación 3D.

«En ausencia de nnormativa de diseño estructural para el acero impreso en 3D, las pruebas físicas son una parte importante para garantizar la seguridad de la estructura. Las pruebas recientes confirmaron no solo que el puente podría resistir la carga aplicada, sino también que la simulación numérica del puente desarrollado por el Steel Structures Research Group proporcionó una representación precisa del comportamiento observado en la práctica.»

Hotel Canino / Felino

July 03, 2021

Hotel Canino Felino

Arq. Raulino Silva; Portugal.

El Hotel Canine & Feline está ubicado en Parada, Vila do Conde y el programa principal consiste en el alojamiento temporal de perros y gatos, un hotel donde los animales se alojan por unos días, durante las vacaciones o viajes profesionales de sus dueños. El resto del programa es un complemento a la actividad del espacio, con un consultorio veterinario, una sala de aseo, áreas de entrenamiento al aire libre y una piscina para mascotas. El programa se distribuye en tres edificios que se encuentran interconectados, lo que permite crear tres áreas diferenciadas. De esta forma conseguimos separar la zona de gatos de la zona de perros, evitando el encuentro de ambas y reduciendo los ruidos de los animales. En otro edificio encontramos todos los espacios de servicio público. En combinación con las necesidades de diseño programático, los tres volúmenes fueron diseñados para reducir el impacto del área de construcción con el fin de mejorar su integración paisajística.

El primer volumen, de una sola planta, corresponde al área de recepción y apoyo, con mesa de servicio, una pequeña tienda, un almacén, las instalaciones sanitarias, una oficina, un consultorio veterinario y una sala de aseo. El segundo volumen es el más grande y aprovecha la topografía existente para la creación de dos pisos, funcionando como enlace entre la parte más alta del terreno (la zona de entrada) y la parte inferior (el patio de juegos de los animales). Arriba tenemos cuarenta y un refugio para perros separados por el pasillo central con un pequeño jardín para obstruir el contacto visual de los animales uno frente al otro. En la planta baja, con acceso por escalera de caracol, tenemos un espacio polivalente, una sala técnica, un lavadero y un vestuario y baño para empleados.

El tercer volumen corresponde al refugio de los gatos, es el más pequeño y cuenta con doce espacios de alojamiento independientes, con un espacio central de circulación alrededor de un jardín interior que sirve de zona de juegos para gatos y está iluminado por un gran lucernario.

En cuanto a los acabados, las paredes exteriores y techos están revestidos con sistema ETICS de color gris claro y aislamiento térmico en todas las superficies. En el techo se utilizan membranas de láminas bituminosas, aislamiento térmico y protección mediante canto rodado natural. En los balcones y en la zona de aparcamiento de los visitantes se utiliza suelo de hormigón gris oscuro.

Richard Meier se retira

June 26, 2021 in Arquitectura

El arquitecto Richard Meier se jubila de su empresa, rebautizada como Meier Partners, en un plan de reestructuración que marca el fin oficial de la participación del arquitecto de 86 años en la práctica.

Richard Meier es un artista y arquitecto abstracto estadounidense, cuyos diseños geométricos hacen un uso destacado del color blanco.

Iglesia del 2000, Roma, Italia — **Iglesia** del 2000, Roma, Italia

Meier ha estado fuera de la oficina desde el otoño de 2018.

Meier fundó la firma en 1963 después de breves períodos en los estudios de SOM y Marcel Breuer, y eventualmente contribuyó con diseños para el Getty Center y el Ayuntamiento de San José antes de dejar el cargo. Richard Meier & Partners Architects fue dirigido brevemente por Bernhard Karpf, quien se fue en julio de 2019 para comenzar su propia práctica en Brooklyn.

Museo de Arte Contemporaneo, Barcelona, España, 1995.

También se anunciaron nuevas incorporaciones a la firma, ya que Meier y su hija Ana continúan en funciones de asesoría. George Miller se convertirá en director de operaciones y Dukho Yeon es el nuevo diseñador principal de la firma. Ambos tendrán participación en el nuevo acuerdo. El ex socio Michael Palladino dirigirá una nueva empresa independiente desde la antigua oficina de Los Ángeles llamada STUDIOpractice. Palladino había sido anteriormente el único miembro no familiar con capital social en la empresa.

Gran parte del trabajo de Meier se basa en el trabajo de arquitectos de principios a mediados del siglo XX, especialmente el de Le Corbusier, en particular su obra temprana. Se considera que Meier ha construido más utilizando las ideas de Corbusier que nadie, incluido el propio Le Corbusier. Meier amplió muchas ideas evidentes en el trabajo de Le Corbusier, particularmente la Villa Savoye y el Pabellón Suizo.

Su trabajo también refleja las influencias de otros diseñadores como Mies Van der Rohe y, en algunos casos, Frank Lloyd Wright y Luis Barragán (sin el color). El blanco se ha utilizado en muchos edificios arquitectónicos emblemáticos a lo largo de la historia, incluidas las catedrales y los pueblos encalados de la región mediterránea, en España, el sur de Italia y Grecia.

El alcalde de Roma, Gianni Alemanno, incluyó en su plataforma de campaña la promesa de derribar el gran muro de travertino del Museo del Ara Pacis de Meier. Desde entonces, Alemmano ha cambiado su postura sobre el edificio y ha acordado con Meier modificaciones que incluyen reducir drásticamente la altura de la pared entre un espacio al aire libre fuera del museo y una carretera transitada a lo largo del río Tíber. La ciudad planea construir una amplia zona peatonal a lo largo del río y ejecutar la carretera debajo de ella. "Es una mejora", dice Meier, y agrega que "la razón por la que el muro estaba allí tiene que ver con el tráfico y el ruido. Una vez que se elimine, la idea de abrir la plaza al río es buena".

Yeon trabajará primero junto con el joven Meier en una iniciativa de investigación que "evaluará los efectos de la luz del día en la salud y las emociones" e inspirará "una conversación más amplia sobre la importancia de la luz", según un comunicado en el nuevo sitio web de Meier Partners. Inicialmente había sido ascendida a socia a raíz del escándalo y, con Miller, ahora se hará cargo de una empresa que había estado perdiendo socios y nuevos negocios nacionales desde que su fundador renunció.

Torre ROTHSCHILD, Tel Aviv, Israel, 2017.

Bienal de Diseño de Londres

June 22, 2021

La Bienal de Diseño de Londres se está desarrollando actualmente en Somerset House, con 38 exposiciones de seis continentes que muestran el papel del diseño para abordar los desafíos globales. Comisariada por el director artístico Es Devlin, el evento se centra en el tema "Resonancia", invitando a diseñadores y artistas a considerar el efecto dominó de "conceptos de diseño innovadores en la forma en que vivimos y las decisiones que tomamos".

Con 30 pabellones que representan países, ciudades y territorios, así como una serie de proyectos colaterales, la Bienal de Diseño de Londres muestra el potencial del diseño para generar conciencia, iniciar conversaciones y generar acciones. Como dijo Sir John Sorrell, presidente del evento, "las grandes ideas de diseño pueden ayudar a cambiar las cosas para mejor, inspirar a las personas y darles esperanza para el futuro, nunca más necesarias que ahora". Los pabellones nacionales en Somerset House exploran una amplia variedad de temas, desde el uso generalizado de plásticos hasta materiales tradicionales, el agotamiento de los recursos, el espacio doméstico y los intercambios culturales del colonialismo.

Al explorar los intercambios culturales, la exposición Amplify de Ghana explora el compromiso entre el país y sus dos antiguos gobernantes coloniales, Gran Bretaña y Dinamarca. El proyecto reevalúa el rico paisaje cultural de Ghana y su influencia en las potencias coloniales. Otro pabellón que reevalúa el patrimonio cultural es el japonés, con la exposición Reinventing Texture que rinde homenaje al antiguo arte de la fabricación de papel Washi y el papel maché a través de una experiencia sensorial.

Durante junio, Chatham House y la Bienal de Diseño de Londres expondrán a líderes, profesionales, expertos académicos y diseñadores. Los cuatro grupos estarán copresididos por Alice Rawsthorn, crítica de diseño y autora, y Kara Hanson, profesora de Economía del Sistema de Salud, LSHTM (Salud); Lisa Witter, cofundadora y presidenta ejecutiva de Apolitical, y Ben Terrett, director ejecutivo de Public Digital (Sociedad); Shirley Rodrigues, teniente de alcalde de Medio Ambiente y Energía, y Keith Priest, arquitecto y cofundador de Fletcher Priest (Medio Ambiente); Lucy Parker, socia principal, Brunswick Group, y el profesor Jeremy Myerson, profesor de diseño Helen Hamlyn, RCA (trabajo).

Los grupos de dirección evaluarán todas las presentaciones y crearán una lista corta de los conceptos más innovadores. Estos serán publicados y exhibidos por Chatham House y la Bienal de Diseño de Londres en línea a partir de septiembre de 2020, antes de la exposición de la Bienal de Diseño de Londres en Somerset House, junio de 2021.

Jaime Lerner 1937-2021

May 27, 2021

Arq. Jaime Lerner, Brasil, 1937-2021

Jaime Lerner (1937-2021) fue un arquitecto/urbanista brasileño que demostró que una ciudad podía cambiar en poco tiempo si había voluntad política. Así lo hizo en Curitiba, Brasil, convirtiéndola en un ejemplo de movilidad+densidad+espacio público. Inventó los BRT (Bus Rapid Transit). Al ver que construir un Metro era carísimo, pensó en poner autobuses sobre tierra en carriles confinados y estaciones fijas, lo que logró un efecto similar al metro, pero sobre tierra con un costo infinitamente menor. Estas calles eran las unicas donde podía densificarse con más intesidad. Hoy en día Curitiba tiene 52 metros cuadrados de área verde por habitante, lo que la hace una de las ciudades con más área verde por habitante del mundo.

El mundo del urbanismo está de luto.

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Lerner consideró que «Toda ciudad es un agente de transformación» y que «la ciudad no es el problema, sino la solución», pues en ella «están todas las respuestas a la solidaridad: vivienda, salud, atención a los niños, la movilidad…» Del mismo modo, privilegia el empleo de varios medios de transporte (metro, bus, taxi, bicicleta) con la condición de que no «compitan por el mismo espacio».

En lo relativo al metro, Lerner llama la atención sobre las dificultades logísticas, administrativas y económicas de su construcción, que no parecen justificar un resultado análogo al de un sistema de autobuses puntual, completo y bien administrado. De hecho, durante su primer periodo como alcalde de Curitiba, Lerner se opuso a la construcción del metro, señalando que las obras paralizarían la ciudad durante años, abogando por el contrario por la construcción de la Rede Integrada de Transporte, que finalmente se impuso.7

Durante las últimas tres décadas, y en parte gracias a la administración de Lerner, ha habido en Curitiba un impacto urbano de dimensiones tales que la ciudad se ha situado en el primer plano de referencia en cuanto a planificación urbana, transportes, cuidado del medio ambiente y programas sociales.

La Rede Integrada de Transporte ha servido como modelo de transporte para otras ciudades, entre las que destaca Bogotá y su sistema TransMilenio.9

Además de Curitiba, Lerner ha participado también en la elaboración de planes de desarrollo urbano para las ciudades de Río de Janeiro, Sao Paulo, Recife, Salvador, Niterói, Natal, Aracaju, Goiânia y Campo Grande. Asimismo, ha ofrecido sus servicios de asesoría a Shanghái, San Juan, Caracas, Durango, La Habana, Seúl y Santiago de los Caballeros.[cita requerida]

Ha sido invitado a Montevideo 10 y otras ciudades latinoamericanas a exponer su pensamiento.

Paulo Mendez da Rocha 1928-2021

May 23, 2021

El arquitecto Paulo Mendes da Rocha, referente mundial de la arquitectura, falleció a los 92 años en São Paulo en la madrugada del domingo (23). La información fue confirmada por el Consejo de Arquitectura y Urbanismo de Brasil (CAU-BR) y por familiares. No se informó la causa de la muerte.

“¡Después de diseñar tantos edificios en hormigón y acero, mi padre pasó a diseñar galaxias con las estrellas!”, Escribió su hijo Pedro Mendes da Rocha en las redes sociales. Paulo nació el 25 de octubre de 1928 en Vitória, Espírito Santo, pero vivía en Vila Buarque, un barrio del centro de São Paulo. Ha recibido premios internacionales en arquitectura, como un León de Oro de Venecia, el Premio Imperial de Japón y una Medalla de Oro de la Unión Internacional de Arquitectos.

Bienal de Venecia 2021

May 21, 2021

«¿Cómo viviremos juntos?»: este es el título de la XVII Bienal de Arquitectura de Venecia, que cuenta con la participación de 61 países. Se trata de un lema que evidencia el giro social, incluso político, que se viene dando a la muestra desde hace más de dos décadas, cuando en 2000 Fuksas propuso el tema ‘Less Aesthetics, More Ethics’. En la edición en marcha —que se ha iniciado con un homenaje póstumo a Lina Bo Bardi y concediendo, con toda justicia, el León de Oro a Rafael Moneo—, el comisario Hashim Sarkis denuncia la situación provocada por la crisis climática, la inestabilidad política y la desigualdad creciente con la convicción de que «no podemos esperar a que los políticos señalen los caminos para un futuro mejor; mientras ellos continúen dividiendo y aislando, podemos proponer alternativas para vivir juntos gracias a la arquitectura». Este punto de partida convierte la biennale en un laboratorio de propuestas de vida en común; Venecia enuncia así un manifiesto bienintencionado y necesario, pero que acaso peca de ingenuo.

www.labiennale.org

Maquetas escala 1:15 del pabellón de Bélgica

Kazuyo Sejima presidente del jurado Bienal de Venecia 2021

May 14, 2021

La Junta Directiva de la Bienal de Venecia 2021 ha designado a Kazuyo Sejima como presidente del jurado internacional, encargado de otorgar principalmente el León de Oro a la Mejor Participación Nacional, el León de Oro al Mejor participante y el León de Plata a un joven prometedor participante. . Además, también han seleccionado a otros cuatro miembros del jurado de Perú, Líbano, Ghana-Escocia e Italia. La ceremonia de entrega de premios tendrá lugar en Venecia el lunes 30 de agosto de 2021.

Por recomendación del curador Hashim Sarkis, el jurado internacional de la 17a Exposición Internacional de Arquitectura, que tendrá lugar entre el 22 de mayo y el 21 de noviembre de 2021, incluirá a Kazuyo Sejima como presidente de Japón, Sandra Barclay de Perú, Lamia Joreige de Líbano, Lesley Lokko de Ghana-Escocia y Luca Molinari de Italia. Encargado principalmente de otorgar los Leones de Oro y Plata, el jurado también podrá otorgar un máximo de una mención especial a las Participaciones Nacionales y un máximo de dos menciones especiales a los participantes en la Exposición Internacional ¿Cómo viviremos juntos?

En 1981 se graduó como arquitecta en la Universidad de Mujeres de Japón, entrando a trabajar en el estudio de Toyo Ito. En 1987 fundó su propio estudio, llamado Kazuyo and Associates y, en 1995 con base en la ciudad de Tokio fundó, junto a Ry?e Nishizawa, el estudio de arquitectura SANAA (Sejima & Nishizawa and Associates). Kayuzo ha sido profesora en varias escuelas de arquitectura.

Dentro de sus innumerables obras premiadas figura la instalación en el Serpentine Gallery del 2009. Se trata de una galería de arte situada en los jardines de Kensington, dentro de Hyde Park, Londres. Sus exposiciones se centran en el arte moderno y contemporáneo y están relacionadas con la arquitectura y la educación. Sus programas públicos atraen a unos 750.000 visitantes cada año, favorecido porque la entrada a la galería es gratuita. Fue inaugurada en 1970, ocupando una antigua casa de té de 1934 situada junto al lago Serpentine, del cual recibe su nombre. La galería fue creada por el Consejo de las Artes de Gran Bretaña y durante los primeros años las exposiciones se limitaron a los meses de verano.

Cada año la Serpentine Gallery selecciona a un equipo de arquitectos de fama internacional para diseñar un pabellón en los jardines de la galería, como una pequeña muestra práctica de arquitectura contemporánea. El pabellón es utilizado como recinto para desarrollar un amplio programa especial cultural que incluye proyecciones de películas y charlas, así como cafetería. Desde el año 2000 cada verano se viene desarrollando esta actividad con el encargo de diseñar el pabellón a varios de los más importantes arquitectos internacionales. En 2009 fue el turno de Kazuyo Sejima y Rye Nishizawa, SANAA.

Otra de sus obras importantes fue la ampliación del Museo de Arte de Toledo, situado en la ciudad de Ohio, Estados Unidos y conocido a nivel mundial por su colección permanente. La ampliación más importante realizada en este museo fue la del Pabellón de Vidrio o "Glass Pavilion". Bajo la apariencia de un sencillo volumen se esconden 7.000 m2 de superficie distribuidos en dos pisos que albergan en la planta baja (concebida como un espacio diáfano) el área de exposiciones y en el nivel inferior, ocupando prácticamente la mitad de su superficie, el taller didáctico de fundición de vidrio y soplado abierto al público. Basada en una retícula de formas rectangulares, la planta ha evolucionado hasta la configuración actual, donde las salas de exposición se alojan en recintos autónomos de vidrio de forma redondeada rodeados por una segunda piel del mismo material. En los paneles se ha reemplazado el vidrio templado (ligeramente verdoso) por un cristal incoloro que permite filtrar al interior las vistas del paisaje incorporándolas al recorrido por el museo.

El tema principal en este paradigma de edificación es la utilización del vidrio en la creación arquitectónica, esa propiedad presente en este tipo de materiales capaz de hacer desaparecer los límites entre interior y exterior, esa capacidad de "desmaterializar" de alguna forma el edificio, haciéndolo difuso, permitiéndonos atravesar con la mirada esa membrana protectora, dejando exento de intimidad, ¿desnudo quizás…? a ese mundo interior que compone el edificio.

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El diseño del Pabellón de Cristal se compone de un diáfano laberinto: el interior está conformado por una serie de salas redondeadas de vidrio envuelto en una piel de vidrio secundaria, que crea una experiencia visual marcadamente en capas. Desde el hall, fragmentos del paisaje son visibles a través de una serie de paredes de vidrio de las galerías. Tres simples patios interiores, el más grande con sus ventanas envueltas en una nebulosa cortina que separa estos lugares, nos aporta vistas del cielo y permite a la luz bajar hacia el interior.

El vidrio envuelve a los espacios formando elevaciones continuas, ininterrumpidas por esquinas. El visitante fluye con la forma a través de una serie de burbujas interconectadas.

El Pabellón de Vidrio se levanta sobre un parque de 20.000 m2 situado al sur de un área residencial de carácter victoriano, respetando una densa plantación de robles centenarios, enfrente del edificio principal del museo, una histórica construcción neoclásica sometida a la intervención que realizó Frank Gehry en 1993 para ampliar una de sus alas con el centro de Artes Visuales. La entrada al pabellón está posicionada de forma centrada, alineado exactamente con las grandes escalinatas del Museo de Arte situado al otro lado de la calle.

El impacto ambiental de los NFT - Chris Precht

March 29, 2021

El Arquitecto Chris Precht se refiere al impacto negativo de los NFT para el medio ambiente natural.

El arquitecto Chris Precht ha abandonado los planes de vender obras de arte digitales respaldadas por NFT debido al impacto ambiental de la extracción de tokens digitales.En un video publicado en su cuenta de Instagram, Precht dijo que los tokens no… — El arquitecto Chris Precht ha abandonado los planes de vender obras de arte digitales respaldadas por NFT debido al impacto ambiental de la extracción de tokens digitales.
En un video publicado en su cuenta de Instagram, Precht dijo que los tokens no fungibles ofrecían a los creativos una oportunidad emocionante para ganar dinero.
Pero dijo que las emisiones de carbono asociadas con la creación de los tokens eran "horribles".
"Esto me deja una culpa tan ecológica que esta vez tengo que decir que no", agregó.
Precht dijo que creó tres obras de arte digitales con el objetivo de venderlas utilizando tecnología blockchain. Pero calculó que esto consumiría tanta electricidad como usaría en 20 años.
"Solo [acuñar] una ficha a través de la cadena de bloques equivale a la misma cantidad de electricidad que utilizo habitualmente en un mes".
"Así que una ficha equivale a un mes de electricidad", dijo el arquitecto, que co-dirige el estudio austriaco Precht con su socio Fei Precht.
"Y no quería crear una sola ficha; quería crear 300 fichas porque tenía tres piezas de arte y quería hacer cada una en una edición de 100", agregó.
"Entonces, para esta única gota, habría usado la cantidad de electricidad que usualmente uso en dos décadas".
Se dice que la criptomoneda Ethereum tiene un impacto de carbono "ridículamente alto"
Precht basó sus cálculos en una controvertida publicación de blog del artista computacional Memo Akten, quien investigó el impacto de carbono "ridículamente alto" de Ethereum, una criptomoneda que se usa comúnmente para comprar y vender NFT.
"Si bien no es tan malo como Bitcoin, se estima que una sola transacción de Ethereum (ETH) tiene una huella en promedio de alrededor de 35 kWh", escribió Akten.
"Para poner eso en perspectiva, esto equivale aproximadamente al consumo de energía eléctrica de un residente de la UE durante cuatro días".

Cortesía: Arq. Chris Precht

La exageración que rodea a las NFT ha provocado una creciente preocupación por su impacto ambiental. Las criptomonedas requieren enormes cantidades de energía ya que cada moneda necesita ser "extraída" por computadoras que resuelven problemas complejos.

Otro artículo publicado en Quartz calculó que: "A lo largo de su ciclo de vida, el NFT promedio acumulará una impresionante huella de 211 kilogramos de CO2, equivalente a conducir 513 millas en un automóvil típico estadounidense a gasolina".

Las NFT podrían permitir a los estudios recaudar dinero para diseños físicos

Sin embargo, Precht admitió que las NFT ofrecían a las pequeñas oficinas creativas como su propio estudio una fuente de ingresos potencialmente lucrativa.

"Vivimos en una era de eficiencia y rentabilidad y la creatividad no se valora lo suficiente", dijo.

"Como un pequeño estudio aquí en las montañas de la nada, con una plataforma de redes sociales bastante grande, habrían sido una forma muy interesante de crear un flujo alternativo de ingresos".

El arquitecto austriaco dijo: "Estoy convencido de sus oportunidades y de lo que significan para los arquitectos, especialmente las oficinas pequeñas y jóvenes como la nuestra".

Las NFT podrían permitir a los estudios vender versiones digitales de sus diseños y usar el dinero para construir versiones reales, dijo.

"A la larga, también amplía enormemente el campo de juego con el diseño del mundo digital", agregó. “Podría imaginar un escenario en el que Bjarke [Ingels] podría cobrar más por un edificio en el mundo virtual que en el real.

Las obras de arte digitales son una declaración sobre la pandemia

Las obras de arte digitales de Precht presentan ejemplos de sus proyectos arquitectónicos repetidos y convertidos en esferas puntiagudas que recuerdan al virión del coronavirus.

"Esas tres piezas son una declaración sobre los tiempos actuales en los que vivimos, cómo la pandemia moldeó el mundo diferente y sobre las herramientas que tienen los arquitectos para reaccionar ante eso", dijo.

“Entonces eso significa más balcones o terrazas, por ejemplo; mejores lugares urbanos y mejores plazas urbanas para las ciudades, y cómo podemos revivir el campo, vivir cerca de la naturaleza, comprender nuestro entorno y tal vez desdensificar las ciudades.

Distancia, cortesía: Arq. Chris Precht

"Las tres piezas tienen la forma de un virus o de un mundo nuevo que respira", agregó.

El interés en los NFT se ha disparado en las últimas semanas con la artista Krista Kim vendiendo la primera casa virtual por más de $ 500,000, mientras que una obra de arte jpeg de Beeple se vendió por $ 69 millones, convirtiéndola en la tercera obra de arte más cara de todos los tiempos por un artista vivo.

Aislamiento, cortesía: Arq. Chris Precht

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2020

Lacaton & Vassal Pritzker 2021

March 16, 2021

El Premio de Arquitectura Pritzker 2021, el mayor honor de la arquitectura, ha sido otorgado a Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal, fundadores de Lacaton & Vassal, el dúo francés reconocido por sus múltiples proyectos de vivienda sostenible y por el Palais de Tokio, una galería de arte contemporáneo en París. En sus tres décadas de trabajo, Lacaton & Vassal siempre priorizó el “enriquecimiento de la vida humana”, beneficiando al individuo y apoyando la evolución de la ciudad.

"La buena arquitectura es abierta, abierta a la vida, abierta para realzar la libertad de cualquiera, donde cualquiera puede hacer lo que necesita hacer. No debe ser demostrativa o imponente, pero debe ser algo familiar, útil y hermoso, con la capacidad de para apoyar en silencio la vida que tendrá lugar dentro de ella ". - Anne Lacaton

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Anunciado hoy por Tom Pritzker, presidente de la Fundación Hyatt, Anne Lacaton (1955, Saint-Pardoux, Francia) y Jean-Philippe Vassal (1954, Casablanca, Marruecos) de Lacaton & Vassal han sido seleccionados como los 49 y 50 galardonados de la Premio Pritzker de Arquitectura, por su trabajo arquitectónico que ha producido contribuciones consistentes y significativas a la humanidad y al entorno construido. Además, Lacaton se convirtió en la primera arquitecta francesa en ganar el Premio de Arquitectura Pritzker.

Elogiado por su enfoque que renueva las esperanzas modernistas de mejorar la vida de muchos y reexamina la propia definición de la profesión, el estudio francés genera intervenciones que “responden a las emergencias climáticas y ecológicas de nuestro tiempo, así como a las urgencias sociales, particularmente en el ámbito de la vivienda urbana ”. Al repensar la noción de sostenibilidad, el dúo cree firmemente en el principio de "nunca demoler", aprovechando la oportunidad para actualizar y transformar, al tiempo que permite que permanezcan las propiedades duraderas de un edificio.

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Anne Lacaton (1955, Saint-Pardoux, Francia) y Jean-Philippe Vassal (1954, Casablanca, Marruecos) se conocieron a finales de la década de 1970 en la École Nationale Supérieure d'Architecture et de Paysage de Bordeaux, y construyeron su primer proyecto conjunto en Niamey, Níger, una choza de paja temporal, construida con ramas de arbustos de origen local que cedieron al viento dos años después de su finalización. En ese momento, se comprometieron a “nunca demoler lo que se pudiera redimir […] extendiendo por la adición, respetando el lujo de la sencillez y proponiendo nuevas posibilidades”. En 1987, establecieron Lacaton & Vassal en París, centrándose en espacios generosos y libertad de uso a través de materiales económicos y ecológicos. Hasta ahora, han completado más de 30 proyectos en Europa y África Occidental, que van desde instituciones culturales y académicas privadas hasta espacios públicos, viviendas sociales y desarrollos urbanos.

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Aumentando el espacio habitable "de forma económica", los arquitectos primero integraron tecnologías de invernadero a través de jardines de invierno y balcones. Su aplicación inicial fue en la Casa Latapie en 1993 (Floirac, Francia) antes de progresar a escalas más grandes y transformar La Tour Bois le Prêtre en 2011 (París, Francia), un proyecto de vivienda urbana de 17 pisos y 96 unidades construido originalmente en principios de la década de 1960, junto a Frédéric Druot. Rechazando los planes de la ciudad que pedían la demolición de viviendas sociales, eliminaron la fachada de hormigón original y ampliaron la huella del edificio para formar balcones bioclimáticos, haciendo cada unidad más grande. Este marco permitió una reinvención visual dramática de muchos complejos de viviendas sociales. De hecho, en 2017, transformaron 530 unidades en tres edificios en el Grand Parc en Burdeos, Francia, con la arquitectura de Christophe Hutin, Frédéric Druot, diseñando desde adentro hacia afuera para priorizar el bienestar de los habitantes de un edificio.

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Siempre dentro de los mismos conceptos de maximizar el espacio utilizable, en su más reciente transformación del Palais de Tokyo (París, Francia 2012), Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal aumentaron el museo en 20.000 metros cuadrados, para adaptarse a las necesidades cambiantes. Por otro lado, para el Atelier de Préfabrication no. 2 (AP2), una instalación de construcción naval de posguerra, el dúo eligió erigir un segundo edificio, idéntico en forma y tamaño al primero, en lugar de llenar el vacío existente. Trabajando con instituciones académicas, los arquitectos pudieron casi duplicar las áreas descritas en el informe de la École Nationale Supérieure d’Architecture de Nantes en 2009 (Nantes, Francia), creando espacios que son deliberadamente no prescritos y adaptables.

Otras obras importantes de Lacaton & Vassal incluyen Cap Ferret House en 1998 (Cap Ferret, Francia), 14 casas sociales para Cité Manifeste (Mulhouse, Francia 2005); Pôle Universitaire de Sciences de Gestion (Burdeos, Francia 2008); apartamentos de poca altura para 53 unidades (Saint-Nazaire, Francia 2011), un teatro polivalente (Lille, 2013), viviendas sociales y para estudiantes Ourcq-Jaurès (París, Francia 2013); un desarrollo de viviendas sociales de 59 unidades en Jardins Neppert (Mulhouse, Francia 2014-2015); y un edificio residencial y de oficinas en Chêne-Bourg (Ginebra, Suiza 2020).

Las obras en curso comprenden la transformación de viviendas de un antiguo hospital en un edificio de apartamentos de media altura de 138 unidades en París, Francia, y un edificio de media altura de 80 unidades en Anderlecht, Bélgica; la transformación de un edificio de oficinas en París, Francia; edificios de uso mixto que ofrecen espacios hoteleros y comerciales en Toulouse, Francia; y un edificio de media altura para viviendas privadas de 40 unidades en Hamburgo, Alemania.

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Cita del Jurado Calificador:

El trabajo de Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal refleja el espíritu democrático de la arquitectura. A través de sus ideas, acercamiento a la profesión y los edificios resultantes, han demostrado que un compromiso con una arquitectura restauradora que sea a la vez tecnológica, innovadora y ecológicamente sensible se puede perseguir sin nostalgia. Este es el mantra del equipo de Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal desde que fundaron su firma con sede en París en 1987. No solo han definido un enfoque arquitectónico que renueva el legado del modernismo, sino que también han propuesto una definición ajustada de la mismísima profesión de arquitectura. Las esperanzas y sueños modernistas de mejorar la vida de muchos se revitalizan a través de su trabajo que responde a las emergencias climáticas y ecológicas de nuestro tiempo, así como a las urgencias sociales, particularmente en el ámbito de la vivienda urbana. Lo logran a través de un poderoso sentido del espacio y los materiales que crean una arquitectura tan fuerte en sus formas como en sus convicciones, tan transparente en su estética como en su ética. Hermosos y pragmáticos a la vez, rechazan cualquier oposición entre la calidad arquitectónica, la responsabilidad ambiental y la búsqueda de una sociedad ética.

Durante más de 30 años, su enfoque crítico de la arquitectura ha encarnado la generosidad del espacio, las ideas, los usos y la economía de medios, materiales y también de la forma y la forma. Este enfoque ha resultado en proyectos innovadores para edificios residenciales, culturales, educativos y comerciales. Desde sus primeros proyectos, incluida Latapie House, la casa particular en Burdeos, y obras cívicas como la propuesta para el Centro de Ciencias Humanas de Saint-Denis o la Escuela de Arquitectura de Nantes, han mostrado sensibilidad y calidez de experiencia a sus edificios. 'usuarios. Los arquitectos han expresado que los edificios son hermosos cuando la gente se siente bien en ellos, cuando la luz en el interior es hermosa y el aire es agradable, y cuando hay un flujo fácil entre el interior y el exterior.

La noción de pertenencia y responsabilidad ante un todo más amplio involucra no solo a los demás seres humanos, sino al planeta en general. Desde muy temprano, Anne Lacaton y Jean-Philippe Vassal han ampliado constantemente la noción de sostenibilidad para que se entienda como un equilibrio real entre sus pilares económico, medioambiental y social. Su trabajo se ha realizado a través de una variedad de proyectos que abordan activamente la responsabilidad en estas tres dimensiones.

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La práctica comienza cada proyecto con un proceso de descubrimiento que incluye observar intensamente y encontrar valor en lo que ya existe. En el caso de la comisión de 1996, Léon Aucoc Plaza, su planteamiento fue simplemente acometer el mínimo trabajo de reposición de la grava, tratamiento de los tilos y modificar levemente el tráfico, todo para otorgar un potencial renovado a lo que ya existía.

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En sus proyectos de vivienda para la transformación del bloque de París, Tour Bois le Prêtre, y tres bloques en el barrio Grand Parc en Burdeos (ambos realizados con Frederic Druot), en lugar de demolición y reconstrucción, agregaron cuidadosamente espacio a los edificios existentes la forma de generosas extensiones, jardines de invierno y balcones que permiten la libertad de uso y, por lo tanto, apoyan la vida real de los residentes. Hay una humildad en el enfoque que respeta los objetivos de los diseñadores originales y las aspiraciones de los ocupantes actuales.

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2021

Premios en fotografía de arquitectura

November 09, 2020

Los International Photography Awards han anunciado a los ganadores de su concurso de fotografía 2020. El concurso de este año, que muestra algunos de los trabajos fotográficos más destacados de todo el mundo, reunió un total de 13.000 entradas de 120 países.

Descubramos la selección de ganadores y menciones honoríficas de las subcategorías de arquitectura: bellas artes, paisajes urbanos, puentes, edificios, interiores, históricos, industriales, abstractos y otros.

La IPA reveló sus ganadores de 2020. Para seleccionar a los favoritos de la categoría, un jurado internacional de renombrados expertos en fotografía juzgó un total de 13.000 entradas de 120 países de todo el mundo, en varios géneros y estilos. En la ocasión, el fundador y presidente de la IPA, Hossein Farmani, declaró que “en estos tiempos sin precedentes, las entradas de este año reflejan algunos de los mayores desafíos que enfrenta nuestra generación, entre los que se encuentra lidiar con un virus que, por primera vez, es un evento que ha afectado a todas las personas en la tierra de alguna manera.

Vemos la fotografía en su mejor momento, ya sea que cubra la pandemia de Covid o el levantamiento del mundo contra la injusticia, las imágenes capturadas son impresionantes. Puedo decir fácilmente que estas son las mejores imágenes que he visto en las últimas décadas ".

Más información en el sitio oficial de los premios

https://www.photoawards.com/

Aravena presidente del jurado Pritzker

October 29, 2020

El Premio Pritzker de Arquitectura, el mayor honor de la arquitectura, acaba de anunciar el nombramiento del Chileno Alejandro Aravena como presidente del jurado del Premio Pritzker de Arquitectura a partir de marzo de 2021, a tiempo para la 43 edición del premio.

Sobre su nombramiento, Aravena afirma que “Históricamente, la arquitectura ha consistido en crear alternativas innovadoras e imaginar posibilidades, pero también está íntimamente conectada con la sociedad. Como jurados, nuestra tarea es, en primer lugar, ser sensibles a las cuestiones que a la sociedad le gustaría que abordara la profesión arquitectónica e identificar a los arquitectos que están tratando de utilizar el cuerpo de conocimientos de la disciplina para traducir esas preguntas en proyectos […] honrado de unirme a este esfuerzo grupal destinado a mejorar la calidad del entorno construido ".

Alejandro Aravena, ganador del Premio Pritzker 2016, es el fundador y Director Ejecutivo de ELEMENTAL. Su trabajo se enfoca en el interés público y el impacto social, con proyectos que se enfocan en vivienda, espacio público, infraestructura y transporte. Comprometido con la sociedad, su arquitectura responde a necesidades sociales, humanitarias y económicas. Galardonado con el Premio ULI JC Nichols 2019, el Premio RIBA Charles Jencks 2018 y el primer arquitecto en recibir el Premio a la Sostenibilidad de Gotemburgo en 2017, Aravena también fue Comisario de la Bienal de Arquitectura de Venecia 2016 y fue miembro del Jurado del Premio Pritzker de 2009 a 2015. Radicado en Santiago, Chile, es la Cátedra ELEMENTAL Copec en la Universidad Católica de Chile, ex profesor invitado en la Harvard Graduate School of Design (2000 y 2005), y ha sido profesor en el Istituto Universitario di Architettura di Venezia (2005). .